ブラームス 交響曲第1番ハ短調作品68

　以前、この曲は私にとって非常に「苦手な曲」でした。なぜかと言えば、ベートーヴェンの影が強くつきまとっているように思えたからです。苦悩から歓喜へと流れる曲の構成もさることながら、第４楽章の主題はまさにベートーヴェンの第9の歓喜のテーマに瓜二つで、これでは「模倣だ」、「後塵を拝した」と言われても仕方がないと思っていたものでした。しかし、しばらくして改めて聴き直すとベートーヴェンとは違うさまざまな魅力があることに気付いたのです。

　たとえばベートーヴェンの第９が時として近寄りがたい存在になったりするのに比べ、ブラームスの第１はもっとはるかに親しみやすく、私たちと同じような苦しみ、悲しみをこの瞬間に共有しているかのように思えたりするのです。随所に聴かれる穏やかで磨き抜かれた美しさ、年輪を重ねて滲み出た老巧な輝きはまさに一級品です。

　もちろん曲はよく出来ており、様々な楽器が活躍し、密度も非常に濃く、指揮者、演奏家、聴衆いずれにとっても非常にやりがい、聴きごたえのある曲なのです。着想から完成まで20年もの歳月を費やしたということは、いかにブラームスにとって交響曲が特別なジャンルであったかということがわかりますよね。

　ブラームスはバッハのフーガやベートーヴェンのソナタ形式を相当に研究したようです。それでも出来上がったこの交響曲は古典派ではなく、まったくブラームスでしか作れない独自の魅力を持った作品になっているのです。

　そんなブラームスの第１で最もブラームスらしい、切なく美しい情感に満ちているのは第2楽章でしょう。最初にファゴットや弦楽器が奏でる主題は半音階進行に伴い、冬の荒野を一人でとぼとぼとさまよい歩く雰囲気があります。しかも弦楽器は曲が流れていくのをためらうかのようにゆっくりと進行していきます。その味わいは深く、次第に瞑想や回想、憧れが交錯しながら、春の予感や希望をしっとりと奏していくのです。

　この楽章で特に印象的なのは最終部分近くにホルンが懐かしく希望に満ちたテーマを朗々と吹きながら、ヴァイオリンがささやきかけるように絡んでいくあたりで、その優美な美しさは何度聞いても胸が熱くなります。

　最もブラームスが曲の構成に苦労したのは第1楽章でしょう。やや理屈っぽいところがあり、思うように曲が流れていかないもどかしさを感じることもありますが、それだけに曲の厚みや安定感は天下一品です。凄いのはこの主題がメロディの深さだけではなく、奇を衒う半音階進行によって幾重にも構成されており、それが曲の多様な味わいや立派さ、強靭な迫力を生み出しているのです。

　何かにもがき苦しみ、何度も倒れながらそれでも前進して行こうとする七転び八起き的な精神は尋常ではないエネルギーとなって放出されていきます。強奏される弦・管楽器や執拗に連打されるティンパニの迫力は心をかき乱しつつ、深く強いメッセージを送り続けるのです。

　第4楽章はロマン派的な叙情性が高い完成度と最高の美しさを獲得した楽章といっていいでしょう。圧倒的なメロディと情報量は聴き手の心を絶えず揺さぶりつつ、荘厳なフィナーレを迎えます。

　ブラームスの第１は昔からシャルル・ミュンシュ指揮パリ管弦楽団の演奏が名演奏として定評がありましたが、実際すばらしい演奏です！　第１楽章の出だしから並々ならない気迫とドラマティックな流動感に思わず息をのみます。全篇から聴かれる呼吸の深さや楽器のもの凄い有機的な響きはブラームスの第１の魅力を否応無しに高めていると言ってもいいかもしれません。

METライブビューイング【第6作】ニクソン・イン・チャイナ

METライブビューイング【第6作】

アダムズ / ニクソン・イン・チャイナ（MET初演）

上映期間｜2011年2月26日（土）〜3月4日（金）　　

上映時間｜3時間56分/休憩2回

Nixon in China by John Adams

　METライブビューイング第6作はアダムズの「ニクソン・イン・チャイナ」です。この作品は初演が1987年といいますから、公開されてからまだ20年ほどしか経っていません。つまり冷戦時代の真っただ中に上演されたことになります。この作品は当時非常に話題になり、1989年にグラミー賞現代音楽部門最優秀賞を受賞しました。しかも指揮が作曲のジョン・アダムズで、演出がさまざまなセンセーショナルな舞台を担当してきたピーター・セラーズということで非常に楽しみです。

【ストーリー】

1972年2月、北京郊外の飛行場にニクソン大統領が降り立った。毛沢東主席との会談が始まり、饒舌な主席の弁はニクソンを圧倒していく。愛国的な晩餐会ではお互いの国の平和に対して盛大な乾杯が行われ、翌日は“思想的”で“ハリウッド的”でもあるバレエを鑑賞する。毛沢東の妻による、欧米文化や“ブルジョワ的”なものを徹底的に排していく姿勢で作られたバレエは、またもニクソン夫妻にいいしれぬ感情を芽生えさせていく。そうした北京での日々を過ごし、彼らは果たしてその最後の夜に何を思ったのか？そして両国の和解への道は？
今や世界的神話――　東西冷戦時代、ニクソン＝アメリカ資本主義と、毛沢東＝中国共産主義の歴史的邂逅を通じ、人間の真実を探求したJ.アダムズの代表的オペラだ。

指揮：ジョン・アダムズ　演出：ピーター・セラーズ

出演：ジェイムズ・マッダレーナ、ロバート・ブルーベイカー、キャスリーン・キム、ジャニス・ケリー、ラッセル・ブローン、リチャード・ポール・フィンク

シューベルト 交響曲第7番ロ短調D759「未完成」

刻一刻と表情を変える

転調の素晴らしさ

かつて「未完成交響曲」はベートーヴェンの第5「運命」とカップリングという形でLPがよく発売されていたものでした。1960年、70年代当時「運命」と「未完成」はクラシック音楽を二分する不滅のスタンダードナンバーだったのです。

神秘のヴェールに覆われたイメージが強いこの作品ですが、オリジナル楽器全盛時代の現在、そのイメージも随分と変わってきました。もちろん、ベートーヴェンの第5や第3のように緊密な構成ではありませんし、マーラーやブルックナーのような大作でもありません。

しかし「未完成」は今もなお交響曲において特別な位置にある音楽です。この曲からは大作を書こうとか、深い作品を創ろうとかそういう気負いが微塵も感じられないのです。

頭で考えて、しっかりと綿密に構成と配分を考えたとしても、絶対にこのような作品は創れなかっただろうと思います。シューベルトが特別な思いや感情に突き上げられ、心の泉が溢れるように即興的に書かれた作品こそが「未完成」なのです。

第1楽章は淡くはかない夢幻的な雰囲気のメロディで開始されます。夢が浮かんでは消え、そして突如として舞い降りるメロディの痛切で豊潤な美しさはとてもこの世のものとは思えません。特に展開部の劇的で刻一刻と表情を変える転調の素晴らしさは何度耳にしても飽きることがありません。自身の「ザ・グレート」と呼ばれる交響曲第8番に比べると構成力では一歩譲るものの、神秘的で孤高の魂が終始訴えかける美しい旋律は断然「未完成」が優れています。

さまざまなしがらみから解放された

純粋無垢な心ー第2楽章

第2楽章はさまざまな執着やしがらみから解放された純粋無垢な心が光ります。ここはシューベルトの叙情性と透明な詩情が最高に発揮された素晴らしい楽章ですね！ただひたすら生きていることへの感謝や諦観が切々と美しく書き綴られていきます。

よく大病をして奇跡的にそれが回復したり、経過が良かったりすると、人は健康体のありがたさや生きていることへの感謝の想いを強く実感するといいます。そして回復後、改めて見る日常の光景や見慣れたはずの自然の情景が美しく輝いて見えたりするものです。

でも…、それはなぜなのでしょうか？きっとあらゆる心のわだかまりが消えて、ひきずるものがなくなり、楽になるからなのでしょう。この楽章はちょうど病み上がりの澄んだ身体とそれを拒まず包むこんでくれる自然の姿に良く似ています。

この作品が2楽章までしか作られなかったことに対してはさまざまな説があります。私が思うには、この世にも美しい2つの楽章を受けるには相当に神々しく説得力のある音楽でなければ冗談のようになってしまうのではないでしょうか！？……。

だからあえて置かなかったのだと思います。交響曲は是が非でも3楽章以上なくてはならないという決まりはどこにもないのですから……。仮に「ザ・グレート」のような終楽章になったとしたら、それこそおさまりが悪く曲の魅力も半減したに違いありません（もちろん決して「ザ・グレート」が駄作だというわけではありません）。

「未完成」のエッセンスが詰まった

ワルターの名演

演奏は半世紀が経ちましたが、ブルーノ・ワルター指揮ニューヨークフィル（CBS盤）が圧倒的な名演奏です。半世紀（1958年録音）経ったものの、録音の音質は素晴らしく現代のデジタル録音と比べてもほとんど遜色ありません。 ワルターの指揮は世紀の名演奏といっても良く、ここに「未完成」のエッセンスがすべて詰まっているといっても過言ではないでしょう。

神秘的な雰囲気の曲だからといって決して神経質にならず、心から溢れるメロディを歌い抜き、随所で深く立体的な響きを創り上げるあたりはさすがです。

ワルターはこの曲を愛するあまり、気心の知れたコロンビア交響曲楽団ではなく、ニューヨークフィルを起用したのですが、その効果は絶大でした。テンポといい、響きの素晴らしさ、格調の高さ、融通無碍で溢れる歌心等どれをとっても最高です。

ラ・フォル・ジュルネ・オ・ジャポン2011

ラ・フォル・ジュルネ・オ・ジャポン2011の

テーマは、後期ロマン派。

　ゴールデンウイークの一大音楽イベントとしてすっかり定着した感のある「ラ・フォル・ジュルネ・オ・ジャポン」。今年のテーマは「タイタンたち」だそうで、19世紀から20世紀にかけての波乱万丈な時代を、ダイナミックに描き出すとのことです。そのうち、メインビジュアルのイメージになっているのは次の5人の作曲家です。

◯フランツ・リスト(1811-1886)

◯グスタフ・マーラー(1860-1911)

◯リヒャルト・シュトラウス(1864-1949)

◯ヨハネス・ブラームス(1833-1897)

◯アルノルト・シェーンベルク(1874-1951)

　この5人の作曲家以外にも、ワーグナー、ブルックナー、ヒンデミット、ベルク、マックス・レーガーなど、音楽史上の「タイタン」たちが登場し、演奏会を盛り上げるようです。

　このイベントは普通のクラシックの演奏会とは違い、無料の演奏会もたくさんありますし、有料の演奏会も安価で観ることができます。親子連れでも気軽に気がねなく（もちろん、最低限のマナーは必要ですが）観れます。そして何よりも観客と演奏家の距離感を感じないのが魅力ですよね。こういうイベントというのはなかなかあるものではありません。せっかくの機会ですから、できれば少しだけ時間にもゆとりを持ち、たっぷりと音楽に浸りながら音楽の魅力を再認識できる時間が過ごせればいいですね！

ベートーヴェン 交響曲第7番イ長調作品92

　この曲は最近やたらとCMやBGM等で使われることが多い曲です。そもそも数年前にテレビドラマの「のだめカンタービレ」でテーマ音楽として使用されたのがきっかけでないでしょうか。第７は第3「英雄」や第５「運命」ほどの深刻さはなく、第９のように難解ではありません。ベートーヴェンの交響曲としてはとっつきやすく、なじみやすいのです。しかし、とっつきやすいように感じるのも明るく親しみやすい曲調だからであって、一皮むけば気宇雄大で疾風怒濤の如くすさまじい気迫と情熱が爆発、全開するのです。ベートーヴェンの精神的なゆとりからくる円熟した創作力と驚くべきインスピレーション…。それが心技体すべてにおいて合致したまさに特上の名曲といっていいのではないでしょうか。

　第7交響曲を耳にする時、忘れられないメッセージがあります。それはロマン・ロランが彼の名著「ベートーヴェンの生涯」で書いた一節です。

　〝『第７交響曲』それはまだ私の知らないものだった…沈黙…最初の音が鳴りだすと、もう私は一つの森の中にいた。（中略）動揺する森、やがてまた堂々と瞑想の主題を取り戻す森である。（中略）森の荘重なささやきとその巨大な呼吸とがそれを包んでいる。その呼吸は高まり、また落ち入る。一つの休止。耳はそばたつ。こだまの中の応え。森の中の呼びかけ。オーケストラのシンバルの促すような調子。一切が待ち受けている。一切が飛躍の準備をする…すると見よ！短々長音階の音律。舞踏。初めは小さな装飾音と短連符とを持った田舎風の優雅さで、優しく静かである。（ベートーヴェンの生涯、岩波書店刊＝ロマン・ロラン著、片山敏彦訳より）〟

　ロマン・ロランの名文によって、ベートーヴェンの音楽が好きになった人はきっと少なくないでしょう。この第7交響曲の場合も彼の卓越した表現力と感性で第7交響曲の魅力を見事に表現し尽くしています。特に最初の出だしで〝森の中にいた〟と明言するあたりは並外れた感性を感じます。

　第７交響曲は自然から受ける普遍的なイメージやインスピレーションがベースになっているのでしょう。田園交響曲を創ったベートーヴェンの創作力は渇くことなく、より自由な形式で次の段階へ発展したことを強く感じさせるのです。

　第１楽章での可憐な小鳥のさえずりや心地よい風、まばゆいほどの太陽の光は闇を照らし、心を照らします。その後次第に荘厳さと輝きを増し、雄大な音楽となっていくのです。第2楽章の悲しみをじっと堪えるようなアレグレットの主題は鎮魂歌のように失われてしまったものへの哀しみを崇高に謳い上げていきます。第3楽章スケルツォは第４楽章へ続く重要な役割を果たす楽章ですが、破壊力満点のエネルギーと求心力が一気に結集されます。

　第4楽章はなりふり構わず突進するベートーヴェンの粗野な魅力がよく出た音楽と言えるでしょう。この曲の真骨頂といってもよく、根源的なエネルギーに満ちた音楽は有機的な響きと微動だにしない緊迫感の中で魂の祭典と化します。低弦(チェロ、ヴィオラやコントラバス等)のえぐる響きが凄く、中間部のティンパニとの絡みでは稲妻のような閃光を呼び起こし、鋼鉄のように強靭な造形を生み出していきます。圧倒的な求心力を保ちながら、フィナーレに向かってぐんぐんと加速を増すくだりはただ呆然とその行方を見守るばかりです。ワグナーがこの曲を「舞踏の神化」と評したように、ここには単に音響的な強さばかりでなく魂を揺さぶる何かがあるのでしょう！

　それだけに本質をしっかりとつかんだ演奏はいても立ってもいられないほどの感動を受けることは間違いありません。

　演奏はフルトヴェングラーがこの曲を非常に得意にしており、実際数種類ある演奏は精神性において抜群でどれも素晴らしい出来栄えです。しかし、なにせ録音も古く半世紀以上経った今、最高の状態では味わうことができません。そこでお薦めしたいのがカルロス・クライバーが1982年にバイエルン放送交響楽団を指揮したライブ演奏です。何よりも録音が良く、演奏は気迫に溢れ「凄い！」の一言です。音色も明るく、この曲に備わった魅力を歪みなく味わうことができます。面白いのは演奏が終わった直後、現実のことと思えないのか、拍手がパラパラなのですが、その後正気に戻った客席から割れんばかりの喝采とアンコールの連呼がされます。まさにライブならではの出来事といえるでしょう！

東京文化会館の50歳の誕生日を祝う！

東京文化会館は、開都500年を記念して1961（昭和36）年4月7日に開館しました。その落成記念で最初に演奏されたベートーヴェンの『エグモント』序曲が、このバースデーコンサートで再び演奏されます。演奏するのは、エリアフ・インバル率いる東京都交響楽団。続く「運命」『春の祭典』という力強く壮麗な名曲のプログラムで、東京文化会館の50歳の誕生日をお客様とともに祝います。（東京文化会館HPより）

「５０周年記念バースデーコンサート」

■日程

2011(平成23)年4月7日(木)19時開演（18時20分開場）

■会場

大ホール

■出演

指揮：エリアフ・インバル（都響プリンシパル・コンダクター）

管弦楽：東京都交響楽団

■曲目

ベートーヴェン：付随音楽「エグモント」序曲 op.84

ベートーヴェン：交響曲第5番 ハ短調 op.67「運命」

ストラヴィンスキー：バレエ音楽「春の祭典」

■料金

一般　S席7,000円　A席5,000円　B席3,000円　C席1,500円

東京文化会館友の会会員　S席6,000円　A席4,000円　B席2,500円

都響会員　S席6,300円　A席4,500円　B席2,700円

ジュニア（18歳未満）／学生　S席3,500円（200席限定）

シルバー（65歳以上）　S席6,300円（200席限定）

ハンディキャップ1～3級　S席3,500円（介添え1名まで同一料金）

ハンディキャップ4～5級　S席5,600円（介添え1名まで同一料金）

■チケット取扱

東京文化会館チケットサービス　03-5685-0650

都響ガイド　03-3822-0727

チケットぴあ　

イープラス

チャイコフスキー 交響曲第6番ロ短調「悲愴」

　チャイコフスキーは帝政ロシアの輝かしい時代を最もイメージさせる作曲家です。それを象徴するように、彼は音楽に気品と美しさを求めたのでしょう……。チャイコフスキーの作品からはそのことがよく読み取れます。たとえば、優雅な宮殿の広間を思わせるピアノ協奏曲第1番や、穏やかで懐かしいメロディに満ちたヴァイオリン協奏曲、愛らしく麗しい三大バレエ組曲等、誰もが口ずさめる有名な作品が次々と思い出されていくのです。

　しかし、彼の最後の作品は霞がかかったように極度に重々しく内省的になっていきます。そして、はからずも彼が残した最後の交響曲第6番は彼自身の人生の終焉となり、帝政ロシアの終焉を告げる予兆となったのでした。

　チャイコフスキーの人気レパートリーはたくさんあります。前述のピアノ協奏曲第１番やヴァイオリン協奏曲、６曲の交響曲、バレエ音楽「白鳥の湖」、「くるみ割り人形」、「眠れる森の美女」、ピアノ三重奏曲「偉大な芸術家の思い出」、オペラ「スペードの女王」、「エフゲニー・オネーギン」等、あらゆる人々に純粋に音楽を聴く喜びを与えてくれる名曲が目白押しです。

　しかし誰が何と言おうとも、チャイコフスキーの最高傑作は交響曲第6番「悲愴」と断言しても過言ではないでしょう。その素晴らしさはクラシック初心者から曲を聴き込んだ通の人に至るまで様々なメッセージを与えてくれます。

 以前ご紹介した交響曲第4番はムラヴィンスキークラスの卓越したバトンテクニックと音楽性の持ち主でなければ充分に良さを引き出せない可能性があるのですが、「悲愴」は違います。「悲愴」はそこそこの演奏であれば、まず間違いなく感動します。やはりそれだけスコアが細部に至るまでよく書かれており、作曲家自身の円熟味と最晩年に到達した芸格の高さを表しているのでしょう。

  特に第１楽章の冒頭の部分、打ちひしがれ息を潜めて声ならぬ声で絶望と苦悩が絡んだ想いを吐露するフレーズは誰もがただならぬ気配を感じることでしょう。この暗さは独特のものですが、チャイコフスキーは演出して、わざとそういうイメージを表現したのではありません。これはあくまでもチャイコフスキーの真実な心の叫びがそうさせているのです。

　もちろん、第１楽章第２主題のように哀しいほどに美しいメロディもあり、第４楽章第２主題のように魂が舞い上がるかのような極めて崇高なメロディも現れます。しかし、この作品には美しく聴かせようとか、スケール雄大に描こうとか、愛らしくまとめようとかそういった効果や体裁を取り繕う場面がほとんどないのです。チャイコフスキーはこの曲で心の奥底まで自分をさらけだしたのだと思います。

　特に両端楽章は優れており、チャイコフスキーのこの曲に託した想いがどれほどのものだったのかが伝わってきます。第１楽章の展開部の荒れ狂う魂ともがき苦しみながら生きていくその姿は壮絶そのものです。第4楽章の中間部、瞑想と回想、諦観が交錯する主題もただ事ではなく、チャイコフスキーの魂はもはや地上には無いかのように飛翔していきます。

このようなことを書き綴ると、はたして暗いこの曲の何がいいのかと言われかねませんが、でも随所に人間的な優しさや暖かい眼差しがにじみ出ており、聴いているうちに無性に心が惹かれていくのです……！。

　この曲の名演奏は枚挙にいとまがないくらい沢山あります。古くはメンゲルブルクからフルトヴェングラー、カラヤン、マタチッチ、バーンスタイン、アバド、朝比奈隆、ヴァント等、それぞれに本当に素晴らしい演奏を残してくれています。しかし真の名演奏となると、やはりムラヴィンスキーがレニングラードフィルを指揮したグラモフォン盤が圧倒的に素晴らしいと言わざるを得ないでしょう！何度聴いても飽きない自然体で内側から湧き上がるような音楽は、他の指揮者からは聴けないものでしょう。クールで端正な響きに充満する溢れんばかりの情熱は凄まじく、襟を正される想いです。