ジャン＝フィリップ・ラモー 「カストールとポリュックス」

ラモーの真価を世に知らしめた傑作！

　ラモーはフランスバロックはもちろんのこと、バロック時代および18世紀を代表する作曲家といってもいいでしょう。

　和声を徹底的に研究した人だけあって、その音楽には独特の響きがあります。特に楽器の特徴や響きの本質をとらえた詩情あふれるメロディは見事という他ありません。しんみりとした哀しみの情感も決して重苦しくなりませんし、色彩豊かで繊細に構築されたハーモニーはフランスのエスプリを感じさせ恍惚とさせられます。とにかく音の絵本のようにファンタジックな夢の世界がどんどん拡がっていくのです。　

　カストールとポリュックスはラモーが1737年に書いた作品ですが、台本やストーリーの流れに不備な点があり、当初は思ったほどの評価は得られませんでした。その後音楽共々、大幅に書き替えられ、現在演奏されているのはラモー自身が1754年に改訂版と銘打って発表した5幕構成の版と言って間違いありません。

　おおよそのストーリーはギリシャ神話に基づくもので、双子のカストルとポリュックスの兄弟愛の深さを描いた物語です。二人は美しい太陽の娘テライールを愛していたのですが、許婚ということもありポリュックスと結婚の儀式が交わされようとしていたのでした。しかし、ポリュックスがカストールとテライールが相思相愛であることを知ると、自ら新郎の立場をカストルに譲るのでした。一方、ポリュックスを愛していたスパルタ王女のフェーゼが嫉妬し、敵軍にけしかけて反乱を起こします。その敵軍との攻防に身を投じたカストルが戦死してしまいます。

　ポリュックスはテライールがカストルを失い、あまりにも憔悴していることや、民衆も嘆き悲しんでいる姿に愕然とするのでした。そこで霊界に渡っていき、父ジュピターに向かって何とかカストルを生き返らせてほしいと懇願します。しかし、それを可能にするためにはポリュックスが身代わりに死ななければならない旨を忠告されるのでした。そこで、それを受け入れたポリュックスは霊界に旅立っていくことを決意します。その事を案じたカストールは1日だけテライールに会えば、霊界にまた戻るという約束をするのでした。テライールとの再会を果たしたカストールは喜びや別れを嘆き悲しむ中で自分の宿命を受け入れ霊界に戻ろうとしますが、そのときジュピターが降臨し、「兄弟ともに永遠の生命を生きよ」と告げられるのでした。

洗練された色彩や光のようなイマジネーション

　先日、ヘンデルの「セメレ」でもお話ししたように、この「カストールとポリュクス」も序曲がとても印象的です。運命のいたずらを匂わせるような、ありきたりではない一種独特の響きが様々なイメージを膨らませてくれます。続く、心の葛藤をドラマチックに表現した短い合唱も斬新で美しく、一瞬にして心をとらえてしまいます。

　第3幕で民衆がカストルの死に直面し、哀しみに打ちひしがれる中で歌われる合唱やテライールが歌うアリアはこの世のものとは思えない高貴な響きやデリカシーに満ちています。また、それに対してフィナーレでカストールの復活を喜び、次々と変奏曲のように展開される舞曲の数々も何と喜びにあふれていることでしょうか！　

　ラモーは彼のオペラでメヌエットやガヴォット、タンブラン、パスピエ等の愛らしい舞曲をよく使うのですが、これが大変に効果をあげているのですね！　重苦しいストーリーの展開の中でも、ラモー特有の魅力に満ちた舞曲が現れると、不思議と無垢で洗練された色彩や光のようなイマジネーションが彷彿とされ、希望に沸き立つのですね！

　

　「カストールとポリュックス」のCDは現在のところ大変に少なく、演奏で本当に満足できるのはウイリアム・クリスティ指揮レザール・フロリサン（ハルモニア・ムンディ）に尽きるといっていいかもしれません。クリスティの指揮は精緻で透明感あふれる素晴らしい演奏です。特に第3幕の民衆が嘆き悲しむ合唱の美しさは最高ですし、フィナーレの舞曲の楽しさも絶品です！

　全曲盤がなければ、ハイライト盤でも良さを充分に味わえることと思います。

音楽を愛し、音楽に愛されたクラウディオ・アバド

アバド氏の死を悼む

　先日、ニュースで指揮者のクラウディオ・アバドさんが亡くなったことを知りました。享年80歳だったそうです。私はこのニュースを聴いて大変にショックを受けました。

　なぜなら、私がクラシック音楽に親しみ始めた1980年当時、アバドさんはまだ若手・中堅のホープと言われた人だったのでした。その頃の若々しく躍動感にあふれた残像や演奏は瞼に焼きついて離れず、今後もいろいろな驚きを与えてくれるだろうと信じていたからです。

　もちろん人並み外れた才能と音楽性の持ち主で、その前途は洋々たるものだったことは間違いありません。。私も近い将来、世界を席巻する大指揮者になる人だろうと思ったのでした……。

　中でも1970年代に録音されたチャイコフスキーの「ロミオとジュリエット序曲」とスクリャービンの「法悦の詩」の何とも言えない正統的なリリシズムに痛く感動したものでした。

　また、チャイコフスキーの「悲愴」もあふれるような歌があり、このように鳴ってほしいというイメージにオーケストラの響きがその如く再現されるのが大変な驚きでした。「亡き王女のためのパヴァーヌ」の美しく透明感に満ちた表情、ブラームス「第2」の既成概念にとらわれない無垢な歌！　もちろんヴェルディやロッシーニのオペラの素晴らしさはイタリア人としての強い共感が成せる技だったのでしょう！

　本当に、1970～80年代のアバドさんの音楽はいつも初々しい感動と音楽を聴く喜びを与えてくれたものでした……。

　しかし、1990年のベルリンフィルの常任指揮者、音楽監督就任という名誉ある立場が彼の音楽人生の歯車を少しずつ狂わせてしまったのではないのでしょうか？　ベルリンフィルと言えば泣く子も黙る天下の名オーケストラ、世界中の音楽ファンが良くも悪くも注目を寄せるのも無理からぬことです。皮肉なことに彼の持ち味である歌やインスピレーションや躍動感は次第にこの頃から薄れていったのです。

　もしこれがベルリンフィルではなく、ロイヤルコンセルトヘボウやバイエルン放送交響楽団とかであれば、事情は大きく変わっていたことでしょう。　　

　ご本人も深く悩まれたのでしょうし、出口のないトンネルをいつもトボトボ歩く感じだったのかもしれません。結局2002年に体調を崩し、ベルリン・フィルを退団されるのですが、それでもこのベルリン・フィルの十数年は後進の育成や音楽環境の整備に多大な貢献をされたと聞きます。

　

　彼は最後の最期まで真の音楽家としての人生をまっとうされたのでしょう。きっと天上界でも美しい音楽を響かせてくれるのではないでしょうか。

　心からご冥福をお祈りします。

アルベール・マルケ「バルコニーからの眺め」

　マルケは同じテーマの絵を繰り返し何度も描いた人でした。パリの街並みであったり、アルジェリアの港であったり、ナポリ湾であったり…と、彼にしてみれば、絵はその時の心境を素直に風景に重ね合わせた日記のようなものだったのかもしれません……。

　彼の絵には絵を通して衝撃を与えようとか革新的な手法を編み出したとか…そのような思い上がったところが微塵も感じられないのです。ただ彼は純粋に絵が好きなだけだったのですね。

　この「バルコニーからの眺め」も生涯に何度か手がけたテーマでした。もし仮に、この絵を自分の部屋に飾ったとしたら、それはそれは潤いのある素敵な空間づくりを演出してくれることでしょう！……。もちろんそれは無理な話なのですが……!?　そう思えるほどこの絵はリズミカルな装飾と構図に優れていますし、練りに練られた温かみのある色彩が穏やかな余韻を届けてくれるのです。

　たとえば、手前の扉の濃いダークグリーンや茶褐色の植木鉢や観葉植物、薄紫のバルコニーの床など中間色のセンスあふれる配色は美しく、画面全体に心地よいハーモニーを響かせているのです！

　画面中央上部のバルコニーと扉で切り取られた正方形の空間は、柔らかな陽射しに映える風景が心を和ませるのですが、見事な構図と相俟って開放的な希望の拡がりを想像させますね……。そして、バルコニーや室内の落ち着いた温かみのある空間と遠景とのコントラストがとても清々しい空間をつくっているのです。

　様々な形や色彩の過度な情報量をできるだけ抑え、感性や情緒に訴えるマルケの構成力や描写力はここでも生きていると言っていいでしょう。

　

ブリヂストン美術館コレクション展 「画家の目、彫刻家の手」

卓越した描画力の原点

　毎回、所蔵作品を中心に視点を変えながら興味深い企画展を開催するブリヂストン美術館ですが、今回は「画家の目、彫刻家の手」がテーマです。たとえば、ドガは踊り子や馬の絵を描いた画家として有名ですが、彫刻を絵画の習作として制作していたとは……。

　知らなかったです。クロッキーで「ものを見る目を養ったり腕を磨く」というのはよく聞く話ですが、ドガの場合は彫刻で動きのシュミレーションをしていたのでしょうか……。そのような背景があったからこそ、あの卓越したバレリーナの動きが表現できたのでしょうね！

　またロダンやブールデルは彫刻家として有名ですが、彼らにとってデッサンや絵はどのような意味を持っていたのかとか、絵画と彫刻はどのような関係性を持てるのか…等々を考えるいい機会になるかもしれません。　普段、絵画は絵画、彫刻は彫刻と別の領域として捉えられることが多い2つのカテゴリーを"創作"という視点でリンクさせるというのは意外に面白いアプローチなのかもしれませんね。

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ブリヂストン美術館コレクション展

画家の目、彫刻家の手

2014年1月18日(土)～2014年4月13日(日)

画家と彫刻家。画家は絵画を描き、彫刻家は彫刻を制作します。1889年、パリのジョルジュ・プティ画廊では『モネ・ロダン展』が開催され、クロード・モネの絵画とオーギュスト・ロダンの彫刻が展示されました。そしてその展覧会を見た批評家オクターヴ・ミルボーは、「彼らは絵画と彫刻というふたつの芸術を今世紀でもっとも見事に、究極的に演じてみせた」と絶賛しました。エドガー・ドガのように、絵画だけではなく、彫刻も重要な表現手段とした芸術家もいました。絵画と彫刻をあわせてご覧いただくことで、それぞれの特徴が際立ってきます。
本展では、ブリヂストン美術館の所蔵する絵画と彫刻、合計約160点をご紹介します。ロダンやブールデル、ザツキン、アーキペンコ、ブランクーシなど、当館の彫刻ギャラリーに常設されている作品にもご注目ください。（美術館サイトより）

入館料　　個人

　　　　　一般　　　　　　　　  800円

　　　　　シニア（65歳以上）    600円

　　　　　大学・高校生　　　　  500円

　　　　　中学生以下　　　　　  無料

　　　　　

　　　　　団体（15名以上）

　　　　　一般　　　　　　　　  600円

　　　　　シニア（65歳以上）    500円

　　　　　大学・高校生　　　　  400円

　　　　　中学生以下　　　　　  無料

　　　　　　※上記は、本展の料金となります。展覧会によって入館料は異なります。
　　　　　　※シニアの方、学生の方は証明書が必要です。
　　　　　　※障害者手帳をお持ちの方とご同伴者2名様まで半額となります。

休館日　　月曜日

開館時間　10:00～18:00（毎週金曜日は20:00まで）

　　　　　　※入館は閉館の30分前まで
　　　　　　※上記の開館時間も不測の事態の際は変更する場合があります。
　　　　　　※最新情報は公式Pおよびハローダイヤル（03-5777-8600）でご確認ください。

住所　　　ブリヂストン美術館　〒104-0031　東京都中央区京橋1丁目10番1号

交通　　　東京駅(八重洲中央口) より徒歩5分

　　　　　東京メトロ銀座線 京橋駅(6番出口/明治屋口) から徒歩5分

　　　　　東京メトロ銀座線・東京メトロ東西線・都営浅草線 日本橋駅(B1出口/高島屋口)

              から徒歩5分

　　　　 　地図を見る

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ヘンデル 「セメレ」 HWV58

Cantillation  Sirius Ensemble  Antony Walker, conductor

John Eliot Gardiner (Conductor),English Baroque Soloists

　新年明けましておめでとうございます。

　このブログを訪問してくださった皆様。2014年が皆様にとって良い年になりますよう心よりお祈りいたします…。気がつけばあっという間に1月も1周間が経とうとしていますね。相変わらず更新がのんびりペースですけれども、今年も何卒よろしくお願いいたします。

　

オペラなのかオラトリオなのか？

　ギリシャ神話を扱った異色の作品、ヘンデルの「セメレ」は彼が最も油の乗り切った1743年の作品です。ヘンデルは前々年に「メサイア」、前年には「サムソン」と続々オラトリオの傑作を発表していたのでした。いかにこの時代のヘンデルの創作力が凄かったかということを再認識させられますね。

　この作品はギリシャ・テーバイの王カドモスの娘セメレが神々の王ジュピターと密かに愛しあうようになるところから始まります。これを知ったジュピターの妻ジュノーは激しく嫉妬するようになるのでした。結局、ジュノーの策略によりセメレの命はジュピターの閃光で絶たれてしまうというストーリーです。

　ところで、ヘンデルの「セメレ」はオペラなのかオラトリオなのかということで、しばしば論議の的になるようです。

　オラトリオと言えば聖書やキリスト教的なテーマを題材にした演技を伴わない音楽劇を指し、それ以外の演技や舞台装置を伴うドラマチックな音楽劇はオペラとして認識されるということらしいのですが、どうもこの境界線も怪しいものですね。そのためなのか、「セメレ」は演奏会形式による上演とオペラ形式による上演の二通りに分けられるのが一般的です。でも同じ上演をするならば、オペラ形式によるものが面白いのは当然でしょう！

　私としてはオペラだ！オラトリオだ！と目くじらを立ててどうするんだろう…という気もするのですが!？ そのような学術的な区分けをするよりも、音楽として芸術として優れた作品であるかどうかということのほうがはるかに重要なのではないでしょうか！  それよりも何よりも「セメレ」の名演奏がもっともっと…たくさん出てきてほしいというのが切なる願いですネ。

バロック音楽史に燦然と輝く傑作

　この「セメレ」は旋律、インスピレーションに満ちた楽想、密度の濃さ、劇的な要素等、どれをとっても傑出した作品です。ちなみに序曲を聴いてみてください。緊張感漲るただならぬ気配にアッと驚かれることでしょう！しかも格調高くどこまでも音楽的な魅力に富んでいるのです。合唱はドラマの重要なポイントとして適材適所に置かれており、作品にメリハリを与えているんですよね。

　特に第2幕最後のセメレとイーノがしみじみと歌うアリアに続いて、ニンフと若者たちが歌い交わす合唱は霧が晴れたような瑞々しさや神々しい響きを実感させてくれます！ドラマを盛り上げる手腕は見事で、忘れ難い印象を残してくれるのです。

　アリアも多彩で充実しています！登場人物の性格の違いを巧みに描き分けるヘンデルの音楽性や有無をも言わせぬ表現力には唖然とさせられます。例えば憎しみと嫉妬に燃えたぎるジュノーの歌、底抜けに明るく素直な情感を醸し出すジュピター、心の想いを切々と綴ったセメレのアリア…。

　こんなに素晴らしい名曲なのに、演奏として無条件で推せる絶対的なCDは今のところありません。曲が素晴らしいだけにちょっと残念ですね……。あえて推薦するなら、アントニー・ウォーカー指揮カンティレーションのオペラ形式によるライブ録音とジョン・エリオット・ガーディナー指揮イングリッシュ・バロック・ソロイスツ、モンテヴェルディ合唱団（エラート）の音楽を主体にしたスタジオ録音が挙げられるでしょう。

　ウォーカー盤はライブ録音ゆえの聴きにくさこそありますが、有機的な音のドラマとしての緊迫感や面白さは圧倒的で、通して聴くとこの作品の魅力が生き生きと伝わってくることでしょう。曲の本質を突いたウォーカーの指揮が素晴らしいし、エネルギーに満ちた合唱の素晴らしさも特筆に値します。

　ガーディナー盤は現時点では最もバランスのいい名演奏でしょう。特に序曲の余計なものをすべて剥ぎ取ったような切れ味鋭い響きはこの曲の新たな一面を見せてくれた名演として長く記憶にとどめられるに違いありません。ロルフ・ジョンソンやデラ・ジョーンズの歌は聴き応えがありますし、合唱も例によってキメ細やかで美しいハーモニーが素晴らしく、ドラマティックに盛り上げています。

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ベートーヴェン 第九演奏会

ベートーヴェン「第九」の難しさ

NHK交響楽団・ベートーヴェン第九演奏会のカタログ

　昨年末は聴き逃してしまったN響のベートーヴェン・第九演奏会(渋谷・NHKホール)に行ってきました。今年はエド・デ・ワールトの登場です。この指揮者の演奏会は初めてですが、最近はワーグナーの演奏等で評判になっているようですね。

　ただ、いつも第九を聴く時に憂鬱になるのが鬼門とさえ言える第1楽章の出来栄えです。とにかく「第九」は第1楽章の出来が大きなポイントとさえ考えている私にとって、演奏の良し悪しを決める試金石なのです。

　「第1楽章」といえば、どうしてもフルトヴェングラーのあの不滅の名演奏が頭をよぎってしまい、無意識のうちに比べてしまうのですね……。悪い癖だとは思っているのですが。それほどあの演奏が頭にこびりついて離れないということになるのでしょう。

この日のデ・ワールトは第1楽章では管楽器から存在感のある意味深い響きを引き出していました。中間部の嵐の咆哮の部分では壮絶な表情を作り上げて、私も思わず身を乗り出してしまいました。第2楽章のテンポも早くもなく遅くもなく楽器の特徴を生かした有機的な響きに貫かれ、 迫力満点でした。

　第３楽章は速いテンポで旋律線をくっきりと表現しているのはいいのですが、いかんせん歌に乏しく、内面から湧き上がるような情感は残念ながら伝わってきませんでした。一昨年に第九を振ったスクロヴァチェフスキーの第3楽章が素晴らしかっただけに、フィナーレを迎える橋渡しとなる大事な楽章が物足りなかったのは残念でなりません。

　しかし、第4楽章になるとうって変わって自信と共感にあふれた響きが続出します。特に素晴らしかったのは第4楽章の冒頭の序奏に続く低弦の迫力と味の濃さですね！これでこそ有名な第1主題が意味を持つことになりますし、曲の魅力が生きてきます。4人のソリストも安定しており、国立音大の合唱も集中力を切らさず奥行きのある立体的な響きを表出していました。第九の合唱は少々ハイテンションでもまったく違和感がありません。

第3楽章はちょっと残念でしたが、全体的に充分に満足できる素晴らしい演奏会だったと思います。

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ミシェル・ルグラン 「ロシュフォールの恋人たち」サントラ盤

フランス版ミュージカル映画

　「ロシュフォールの恋人たち」はいろいろな意味で懐かしい映画ですね。

　ジャック・ドゥミ監督が名作「シェルブールの雨傘」に次いで発表したミュージカル映画だということ。ミシェル・ルグランの音楽があまりにも素晴らしかったこと……。カトリーヌ・ドヌーブが前作に引き続き主役を務めていたこと。ドヌーブの実のお姉さんフランソワーズ・ドルレアックと共演して息の合った演技をみせていたこと……。そのドルレアックが本作を最後に帰らぬ人になってしまったこと……。往年のミュージカルの大スター、ジーン・ケリーが元気な姿を見せていたこと……。ウエストサイド物語で私たちの心を奪ったジョージ・チャキリスが相変わらず華麗なダンスを見せてくれたこと……。

　ちょっと想い出すだけでも様々なエピソードや情景が甦ってきます。

　映画のセットもお洒落でムードも雰囲気もあり、映像も色彩豊か。フランス版のミュージカル映画がハリウッドのミュージカル映画とは一味も二味も違うことを痛感させられた作品でした。

映画史に残るミシェル・ルグランの音楽

　それにしても素晴らしいのはミシェル・ルグランの音楽でしょう！

　前作「シェルブールの雨傘」ではオペラのように全編セリフに至るまでメロディで埋め尽くし、その美しい音楽にため息が出たものです…。「ロシュフォールの恋人たち」でもルグランの音楽は快調で、様々な登場人物の性格を描き出すのに絶大な貢献をしています。

　スタイリッシュなリズムの祭典であったり、エレガントな雰囲気を醸し出したり、デリケートな情感を表出したり……。　音楽に理屈っぽさはなく、無理なく身体の中にしみこんでいく感じなのです。それもそのはず、彼はジャズ、クラシック、ポップス、マンボ、ボサノヴァ等の様々なジャンルの音楽を実に巧みに融合しつつ、それをルグラン流の卓抜なセンスで結晶化させているのです! 　

　映画のサントラというと普通はメインテーマに趣向を凝らして、あとは数曲がとりあえず魅力的かな⁇という場合が多いのですが、このアルバムはまったく違います。全曲を聴き通していただければお分かりいただけるのですが、いわゆる凡作がまったくありません。練りに練られた完成度の高いナンバーが勢揃いなのです。どれもパワフルなバイタリティに溢れていてキラキラ輝いているし、思わず曲に引き込まれるような魅力に満ちています。

　仮に映画を見ていなかったとしても、映画のシーンが浮かんでこなかったとしてもこのアルバムは純粋な音楽アルバムとして聴く価値が充分にあると言っていいでしょう!　サントラ盤として、アルバム全体としての出来ばえは「シェルブール」以上かもしれませんし、おそらく今後も映画音楽史に輝く永遠の名盤として語り継がれていくのかもしれません。

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