国立トレチャコフ美術館所蔵 レーピン展

イリヤ・レーピン《休息 ー 妻ヴェーラ・レーピナの肖像》1882年

　　　油彩・キャンヴァス143.0 x 94.0　©Text, photos, The State Tretyakov Gallery, 2012

イリヤ・レーピン《作曲家モデスト・ムソルグスキーの肖像》1881年　　　

油彩・キャンヴァス71.8 x 58.5　©Text, photos, The State Tretyakov Gallery, 2012

イリヤ・レーピン《思いがけなく》1884-1888年

　　　油彩・キャンヴァス160.5 x 167.5　©Text, photos, The State Tretyakov Gallery, 2012

  ロシアの画家、レーピンを扱った作品展がBunkamuraザ・ミュージアムで開催されています。日本で本格的にレーピンの作品展が開催されるのはおそらく初めてではないでしょうか？ ずいぶん前からレーピンの名前は聞いておりましたし、かなりの実力派画家であることも承知していました。

　この展覧会では見覚えのある有名な作品もかなり展示されています。たとえば作曲家ムソルグスキーの肖像画であったり、文豪トルストイの肖像画であったり、「ボルガの船曳」等の最下級層の人々の暮らしぶりを描いた作品等です。その並外れた描写力や表現力はオーソドックスな正攻法の表現にもかかわらず、圧倒的な存在感を私たちに植え付けてくれるのです。

　印象的な絵はたくさんありましたが、レーピンは肖像画の世界でひとつの絶対的な領域を築いた人と言えるのではないでしょうか。　特にムソルグスキーの肖像画はモデルが絵の中から飛び出してきそうな臨場感と見事な性格描写によって迫真のドラマを生み出しています！

　また鬼気迫る表現が印象的な「思いがけなく」は流刑になったものの、不意に帰宅することになった男と家族の一様に驚く表情がその場の空気を凍りつかせています。このあとドラマがどのように展開していくのかとても気になりますし、人々の表情があまりにもリアルで映像のハイライトを切り取ったような緊迫感さえあります！構図の素晴らしさも特筆ものと言っていいでしょう！

　これほどの実力がありながらもその画業が世界的な影響を及ぼすことがなかったのはロシア革命以後、ソビエト政府によってレーピンが社会主義リアリズムの急先鋒として崇め奉られてしまったことが大きいようです。

　今回の展覧会はロシア激動の時代に生きた天才画家レーピンの真の実力と精神性を本当の意味で目の当たりにする貴重な機会になるのではないでしょうか！

【展覧会情報】　

会場　　　　　　Bunkamuraザ・ミュージアム　
　　　　　　　　東京都渋谷区道玄坂2-24-1
会期　　　　　　2012年8月4日（土）～10月8日（月） 
入場料 　　　　　一般＝1,400（1,200）円
　　　　　　　　高大生＝1,000（800）円
　　　　　　　　小中生＝700（500）円
　　　　　　　　＊（　）内は前売／20人以上の団体料金
　　　　　　　　＊障害者手帳をお持ちの方は無料
休館日 　　　　　会期中無休
開館時間 　　　　10：00～19：00（金・土曜日は21時まで開館）
　　　　　　　　＊入館は閉館の30分前まで
問い合わせ　　　03-3477-9413
主催　　　　　　Bunkamura
回展　　　　　　2012年10月16日（火）～12月24日（月・祝）浜松市美術館
　　　　　　　　2013年2月16日（土）～3月30日（土）姫路市立美術館
　　　　　　　　2013年4月6日（土）～5月26日（日）神奈川県立近代美術館葉山
公式サイト　　　http://www.bunkamura.co.jp/museum/exhibition/12_repin.html

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フェデリコ・フェリーニ 「道」

　この映画は昔から哀愁に満ちた「ジェルソミーナのテーマ」が有名でした。どことなく気だるい雰囲気で開始されるのですが、明るいメロディとは裏腹に人生の悲哀をギュッと凝縮したようなとても切なく心にしみる音楽ですね！映画の中で音楽がこれほど空気のように浸透し、映像との密接な関係を築きながら名作として結実した作品はあまり例がないかもしれません。　　

　この映画において「ジェルソミーナのテーマ」は映像を引き立てるだけでなく、それ自体が情景を浮かび上がらせる主役の一つにさえなっているのです。フェリーニ監督の数々の作品に音楽を書いたニーノ・ロータの最高の音楽の一つと言えるでしょう！

　もちろん、主演のザンパノ役のアンソニー・クインやジェルソミーナ役のジュリエッタ・マシーナも最高の演技を披露しています。粗暴で荒くれ者のサンパノをクインはまさに等身大で演じています。特に最後のシーンで夜の砂浜に佇み一人嗚咽して泣くシーンはクインだからこそこの映画を強烈に印象づけられたのだと思います。

　アンソニー・クインの全身から発する野生的な雰囲気は決して昨日、今日作られた類のものではなく、生まれながらにして持っている魅力なのでしょう！

　ところが、随所で寂しげな表情を垣間見せる様子が実はザンパノという人間がただ単純で野蛮な人間ではなく、どこにでもいる心が弱い人間像として巧みに表現されているのです！

　しかし、何と言っても素晴らしいのはジェルソミーナを演じたジュリエッタ・マシーナでしょう。やや知的障害があるのだけれど、いつも明るく心は天使のように優しく純粋なジェルソミーナ……。軽度の知的障害者とは言え、そのような役を演じきるのは大変に難しいことと思われます。なぜなら言葉や表情で巧みに表現したいと思っても、知的障害者にとって言葉で伝達することはある程度限界があるし、気持ちの表現も健常者とはちがう様々な難しさがあるからです。

　しかし、ジュリエッタ・マシーナは違いました。まるで生まれながらにお人好しで純粋無垢な女性、ジェルソミーナを哀しいくらいに美しく生き生きと表現するのです！まさにマシーナ以外ではこの配役は考えられなかったといっていいでしょう。

　この映画の最大のドラマはジェルソミーナが綱渡り芸人と出会うところから始まります。ある日、綱渡り芸人が弾いていたヴァイオリンの音色に強く惹かれるのですが、それが「ジェルソミーナのテーマ」だったのです。いつもはふざけたことを言ったり、からかったりする綱渡り芸人なのですが、なぜかジェルソミーナとは気が合い、芸で共演するうちに交流が続くようになります。綱渡り芸人もジェルソーミーナといる時は素の自分に戻れるからなのか、心を許していくのです。そしてある日とても尊い言葉を口にするのです……。

　この映画では「人間の存在する意味」、「愚かさと罪」、「愛と許し」のようなキリスト教的な価値観、人間観が実に丁寧に描かれています。そして誰もがその登場人物に自分の姿を照らしあわせて、ある時は深くため息をつき、ある時は心を痛めるのです。

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細田守 おおかみこどもの雨と雪

公式ポスター

　この映画は予告編で見る限り、ありきたりのアニメ映画なのかなと思い込んでいました……。ところが、実際に映画を見るとこれがなかなかいいのです。特にストーリーの展開や状況を伝えるのに必要不可欠な背景の描写が秀逸で、リアリティに富んでいるし、詩情があり空気感が漂っているのです。家具の質感や街中の雰囲気、夕焼けの美しさは驚くほどで、ディテールも一切抜かりがなく素晴らしい仕上がりになっています。秋の情景、冬の雪山等さりげなく描かれているのに詩情が流れ実に美しいのです。

　そして何よりも脚本・演出が素晴らしく、正直なところありきたりな実写の人間ドラマ(失礼！)を見るよりもはるかに感動しました！

 　ストーリーは主人公〝花〟の通う大学のキャンパスで真面目な青年と出会うところから始まります。しかし、出会った彼の正体はなんと〝オオカミ〟だったのです。それでも〝花〟はそんなこと問題ないと言い結婚に踏み切ります。その後、雪や雨というまったく性格の違う二人の子宝に恵まれます。誰もが順風満帆かと思われた時に訪れた彼の突然の死……。そこから家族三人の苦闘の物語が始まります。

　特に印象に残るのは失意のどん底に叩きのめされながらも、健気に強く生きていく花の姿ですね。どんなに苦しくてもいつも前向きで、あるがままの状況を受け入れ、笑みを絶やさない花にはとても心を打たれます！ 

　無邪気な二人の子供たちのキャラクターの描写も見事で、思わずわが子のように感情移入してしまいます。しかし成長に伴い、誰もが通過する心の痛みや挫折を味わい、そしてオオカミの血を受け継いだ運命に葛藤しながらもやがてそれぞれに自立していく様子を本当に繊細に等身大で描いていることに驚かされます。

　映画は様々なメッセージを届けてくれます。自然と人間の共存であったり、生きていくことの辛さや運命のいたずら……。いつしか悩み苦しみながらも決して運命に背を向けない姿に大切な何かを感じさせられるようになるのです。

　オオカミと人間の結婚というテーマがもしかしたらあまりにも荒唐無稽すぎて映画を見ることを躊躇している貴方…!?。しかしこの信じられないようなテーマも映画の本質を味わうという意味ではほんのファンタジー的要素くらいに考えたほうがいいのかもしれません！隅々にまで心憎いほどに気配りされたこの作品は年齢性別関係なく、どなたにもお勧めできる正統派の素晴らしいアニメ映画だと思います！

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グリーグ 組曲『ホルベアの時代から』

 

 

 

 

 

　以前、シプリアン・カツァリスの演奏するグリーグのピアノの演奏を採り上げたことがありました。その時、叙情小曲集の演奏の魅力について主に書いたのですが、併録された組曲「ホルベアの時代から」についてはあまり触れませんでした。少ししつこくなるかもしれませんが、ここでは「ホルベアの時代から」の演奏の魅力を掘り下げてみたいと思います。

 

　個人的な印象からするとこの組曲「ホルベアの時代から」は大変な名演奏だと思います。弾むようなリズム、抜群の間合いで生き生きと語りかけるフレージングの魅力。全体的に猛然と超スピードで展開しながらも音楽の楽しさ、喜びを微塵も失わない天性の音楽センス！本当にカツァリスの魅力が結集された稀有な演奏だと思います。

 

　おそらく、カツァリスはバッハやスカルラッティのようなバロックものを得意にしているので、バロック的な造型を持つこの作品との相性がいいのでしょう。

　それにしてもまったく迷いのないストレートな演奏は実に爽快で、いつのまにか曲にぐいぐい引き込まれていくのを実感するのです！フレッシュで曇りのない音色はそれだけでも曲の純度を導き出し、新たな魅力を引き出してくれるかのようです。

　作品はノルウェーの(同郷のベルゲン)作家ホルベアの生誕200周年を記念して作曲されたものでした。ホルベアは18世紀の初めから中頃にかけてデンマークで活躍した人で、時代でいうとほぼバロック文化全盛時代に該当するのです。したがって、サブタイトルにある「古い様式による組曲」とあるのはホルベルグが生きたバロック音楽の様式を借りたものなのです。

　曲の構成もプレリュード、サラバンド、ガボット等バロック音楽の様式に倣っているのがちょっとお洒落で気が利いていますね。グリーグの常々の音楽と違い、明晰な構成とリズミカルな曲調が印象的です。しかも随所に繊細な光と影の織りなすコントラストが心地良く響くのも、やはりグリーグならではでしょう！

 

 

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ドビュッシー 、音楽と美術 ー印象派と象徴派のあいだで

ドビュッシー生誕150年記念　創造の源泉を垣間見る

作者不詳[ショーソンとルロールのそばでピアノを弾くクロード・ドビュッシー、セーヌ＝エ＝マルヌにて］

1893年8月、水彩・紙、8.7✕11cmオルセー美術館蔵

 　この展覧会のタイトルからすると、もしかしたらドビュッシーの絵画的な作品を取りあげたミニコンサート(または音楽とのコラボ!?)と思われる方もいらっしゃるかもしれませんね。「ドビュッシー 、音楽と美術……」と画家の名前ではなく作曲家の名前がメインタイトルになる展覧会はあまり記憶がありません。

 　先日この展覧会を東京・京橋のブリジストン美術館で見てきたのですが、ドビュッシーの人間性の一部が垣間見れたような気がしてなかなか面白かったですね。

 　ドビュッシーが活躍した時代(19世紀後半から20世紀初頭)は、今までになく絵画や音楽が幸福な影響を及ぼしあった時代でした。ドビュッシーの代表作の「海」や「牧神の午後の前奏曲」、「夜想曲」、「版画」、「映像」は絵画的なイメージや空気感が繊細に綴られた作品であることは一聴すれば納得されるに違いありません！

 　この展覧会は彼と関わりの深かった音楽家や画家、作家、作曲家の友人たちとの作品の創作へ発展するエピソードや資料が展示されており一種のドキュメンタリーを眺めているような感覚にとらわれました。

 　彼が日本の調度品や北斎、広重の浮世絵を愛していたこともなるほどな……。ですし、画家のカンディンスキーやクレーが音楽に着想やインスピレーションを得たというところもなかなか興味深いところです。しかし、あの神秘的でオリジナリティあふれる音楽を生み出した創作の本質のポイントがどこにあったのかということはやはり絵や資料を見ながらもドビュッシーの個性、人間性の賜物としか言いようがないと結論づけるしかないのでした。

 　美術館を出た時、無性にドビュッシーの音楽が聴きたくなったのは決して私一人ではないでしょう……。

ドビュッシー、音楽と美術──印象派と象徴派のあいだで

会場　　　　　ブリヂストン美術館　

　　　　　　　東京都中央区京橋1-10-1

会期　　　　　2012年7月14日（土）～10月14日（日）

入場料　　　　一般＝1,500（1,300）円

　　　　　　　65歳以上＝1,300（1,100）円

　　　　　　　大高生＝1,000（800）円

　　　　　　　＊（　）内は前売／15人以上の団体料金

　　　　　　　＊中学生以下は無料

　　　　　　　＊障害者とその介護者2名は無料（要障害者手帳）

休館日　　　　月曜日（ただし、7/16、9/17、10/8は開館）

開館時間　　　10：00～18：00

　　　　　　　＊入館は閉館の30分前まで

問い合わせ先　tel. 03-3563-0241

主催　　　　　オルセー美術館、オランジュリー美術館、石橋財団ブリヂストン美術館、

                       日本経済新聞社

公式サイト　　http://debussy.exhn.jp/

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ベートーヴェン ミサ・ソレムニス

　

ミサ曲の概念を

変えたミサ曲

　ミサ曲は古くから西洋音楽では特別なジャンルでした。「神との対話」を生活の根底に置き、カトリック的な伝統や精神と共に発展してきた西洋文化ではそれは自然の成り行きだったのです。それに対してカトリック的な精神にあまり触れることのない日本においてミサ曲は演奏頻度は高くなく、本質も決して理解されているとはいえません。とはいえ、本質を突いた演奏に出会えば良さを実感したり強く心が惹かれるのは間違いないのです！

　ミサ曲といえばバッハの「ミサ曲ロ短調」やジョスカン・デ・プレの「ミサ・パンジェ・リングァ」、ビクトリア「聖週間のレスポンソリウム集」、パレストリーナの「教皇マルチェリスのミサ」、ハイドンの「ネルソンミサ」、モーツァルトの「戴冠式ミサ」あたりがミサ曲の魅力をふんだんに持った名作であり最高峰といえるでしょう！ 

しかし、それはあくまでもベートーヴェンのミサ・ソレムニスを別格とすればの話で、ミサ・ソレムニスを聴いてしまうと他の作品はすべて影が薄くなってしまいます。ベートーヴェンのミサ・ソレムニスに関する限り、他のミサ曲とはまったく別次元の作品といっていいでしょう！これは初めて世に現れた全人類的なミサ曲と言っても決して過言ではありません！

　ベートーヴェンは生涯、特定の教会の音楽監督やお抱えの作曲家になることはありませんでした。これは一定の枠や型にはまることを極端に嫌うベートーヴェンのことですから充分にうなずけることでしょう。

 大公に献呈する構想が

神の賛歌へと膨らむ

 敬虔なクリスチャンであり、カトリックの信仰を持っていたベートーヴェンでしたが、権威主義的で教理に縛られる教会の価値観にはかなり批判的であったようです。彼は形や典礼よりも心の奥底でしっかりと神を見つめていたのでした。「神は創造主」、「全知全能の親なる神」という言葉が甥や親友に宛てた数々の手紙でも伺い知ることができます。　ベートーヴェンにとって神は遠い存在ではなく、永遠に変わらない心の支えとして心の中や作品に生き続けたのでした。

　そんなベートーヴェンだからこそ、ミサ・ソレムニスのような普遍的で真実性に満ちたスケール雄大な作品を生み出すことができたのでしょう。ミサ・ソレムニスはベートーヴェンの個性が最大限に発揮された奇跡ともいうべき作品です。

　当初この作品は、親交のあったルドルフ大公の大司教即位式の献呈用として作曲されるはずでした。ところが作曲を進めるにつれて、彼の心の中でインスピレーションがどうしようもなく溢れて、構成は次第に大きく膨らんでいったのです。遂には即位式に間に合うことなく、実際に完成の日を迎えたのは即位式から5年もの歳月が経った時でした……。

　おそらくベートーヴェンはルネッサンス期やバロック音楽の大家たちが作曲したミサ曲の通念にとらわれないで、教会音楽という枠組みを超えた壮大な叙情詩を描きたかったのでしょう!　そのような観点からも、ミサ・ソレムニスは音楽の性質としてはミサ曲というよりはオラトリオと言っていいのかもしれません。演奏が通常教会ではなく、一般の演奏会場で行なわれるのもこの作品の持つ性格や精神性を充分に物語っていますね！

強靭な魂と

神への熱い想いが

深遠な芸術を誕生させた

　この作品は、彼の強靭な魂と神への熱い想いがギリギリの鬩ぎ合いで具体化し、かつて類を見ない深遠な芸術を誕生させたと言っても過言ではありません。

　第1楽章キリエの冒頭から山の高峰を仰ぎ見るような堂々とした主題が展開されます!　壮大なオーケストレーションと確信に満ちた合唱の響きは音楽史上なかったものと言っていいでしょう。ひたすら心の告白と訴えを伝えようとする音楽への献身は、やがて神への敬虔な祈りや賛歌へと結晶化されていきます!

　『キリエ』 、『グローリア』、『クレド』、『サンクトゥス』、『アニュス・デュイ』のいずれも重要で、それぞれが有機的な繋がりを持って曲が構成されてており、その創作力と芸術的なポリシーには驚かされるばかりです。「どこが聴きどころか」という質問には簡単には答えられないほど曲の内容が深く、充実感は比類がありません！あえて印象に残る箇所をあげるとすれば、まず「in Gloria Dei Patris,Amen」に導かれるグローリア第６部の階段を確実に一歩一歩を踏みしめるような強靭なフーガの魅力。そして心からの訴えを歌に託すアニュス・デュイ前半の哀しみの表現あたりがあげられるでしょうか……。もちろん他にも聴きどころは満載です……。

　ミサ-ソレムニスを一貫しているのは一言でいえば巨大な精神でしょう。作為的な要素がないため、音楽性や形式の素晴らしさ以上に精神性の偉大さがひしひしと伝わってくるのです! この作品はまさに精神の勝利によってもたらされたものなのでした。

 　ベートーヴェンにとって宗教曲は教会の礼拝堂における儀式とか、教義的なものという概念はあまりなかったのでしょう。ミサ-ソレムニスは後のミサ曲や宗教曲に対する考え方を一変させたばかりでなく、歌そのものに対する発想を根本的に変えさせた記念碑的な作品といってもいいのではないでしょうか。

　演奏はこれまで演奏会やCDのどちらも満足できる演奏はほとんどありませんでした。やはり集中力の持続やテンポ、合唱の難しさ、深い精神性の表出等に大変な難しさがあるからなのでしょう。唯一素晴らしいのがオットー・クレンペラーがフィルハーモニア管弦楽団とその合唱団を指揮したEMI盤で、これは空前絶後の名演奏と言ってもいいでしょう。テンポやスケール感も申し分なく、この曲に想い描かれるイメージを充分に表現し尽くした演奏です。

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「大エルミタージュ美術館展 世紀の顔･西欧絵画の400年」を見て

時代とともに変遷する絵画の特徴。「大エルミタージュ美術館展」

ポール･セザンヌ 《カーテンのある静物》
1894頃-1895年　油彩･カンヴァス

先週、六本木の国立新美術館で開催されている「大エルミタージュ美術館展 世紀の顔･西欧絵画の400年」に遅ればせながら行ってきました。確かにこの展覧会はタイトルどおり西洋絵画の流れを大まかに俯瞰できる展示になっていました。ルネサンスから20世紀に至る絵画の変遷や傾向が作品を通じて感じとれるのは面白いと思います！ 

バロック期頃までは肖像画が意外に多いのですが、写真の代わりという意味あいも強いのか全体的にリアリズムを追求し細密描写が多く安定した描法という印象が強いですね。

しかし、古典派、ロココ主義の時代あたりになると絵に作者のポリシーが強く反映されるようになります。理想であったり、華美な表情、色彩であったりと……。それが19世紀初頭からのロマン派になると絵に感情やドラマ、動きが注ぎ込まれ、思い切ったデフォルメも用いられるようになります。

でも何と言っても面白いのは19世紀後半から20世紀に至る印象派からシュールレアリズム、フォーヴィズム、キュービズム等の絵画の表現の多様化でしょう！　このあたりから人間の眼に変わるカメラが普及し始めたり、映写機が登場したりするのですが、これによって人間の生活そのものが一変します。絵はもはや写実的な描写は必要としなくなっていたのでした。絵の概念や価値観が根本的に激変したのがこの頃だったのです。

さて、この展覧会ではレンブラントの「老婦人の肖像」、レイノルズの「ウェヌスの帯を解くクピド」、セザンヌの「カーテンの静物」、マティスの「赤い部屋（赤のハーモニー）」あたりが印象に残ったのですが、特に印象に残ったのがセザンヌの「カーテンの静物」の果物のただならぬ存在感になるかもしれません。

セザンヌは静物画を描く時に見た目の美しさや形にはほとんど目もくれず、その静物に内在する存在の真実に着目するといいますが…それにしてもこれは見事です！　セザンヌの絵としては皿の上にある果物がリンゴなのか？オレンジなのか？そんなことはどうでもいいんです……。周辺のブルーと微妙に響きあいながら絵の核心の部分を形成しているオレンジ色の果物の神々しいほどの美しさは言葉になりません！　主役を支える布やカーテンんの絶妙の配置や形、重厚感もしっかりと絵に馴染んでいるのです。

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