ベートーヴェン 交響曲第６番へ長調「田園」作品68（3）

自然と人との

崇高な関係を描いた傑作

　自然はいつの時代も人間に有形無形の贈り物を届けてくれます。心に記憶を留めたり、感性を育んだりする上で自然は計り知れないほどの恩恵を与えてくれますし、自然と関わりを持たずに生きることは不可能でしょう。

　私たちは自然のあるがままの美しい姿を未来へつないでいく大切な責任があるのかもしれません。

　「人間と自然」……。

　切っても切り離せない永遠の関係を音楽として表現した作品は実は数えるほどしかありません。

　その一つは言うまでもなくベートーヴェンの交響曲第6番「田園ｌですね。改めて全曲を通して聴くと、こめられたメッセージの崇高さや懐の深さを痛感せずにはいられないのです。まさに汲めども尽きない泉のような作品こそ「田園ｌの魅力と言ってもいいでしょう。

　この曲の偉大なところは自然の美しい姿を描いたことではなく、自然と人との崇高な関係を描いたところにあります。

　ベートーヴェンは風や光、自然の情景や移ろう季節の様子に神の声を聴いたと彼自身の手記に記録していますが、「田園ｌはその言葉通り、神が与えてくれた豊かな自然の恵みを高らかに賛美し謳歌しているのです。

　それにしても何と叡智と感謝に満ち満ちた作品なのでしょうか！特に第２楽章や第5楽章フィナーレを貫いているテーマは自然と語らい、自然と一体になることの尊さを伝えるかのようです。大地は絶えず呼吸し、愛の光を放ち、私たちをすっぽりと包み込んでいることをベートーヴェンは音楽で言い尽くしているではありませんか。

　ブルックナーの８番や９番も聴くたびに新たな発見がありますが、この作品の愛に満ちたメッセージの数々は格別ですね……。

往年のマエストロたちが

残した名演奏

　「田園」は交響曲第3番「英雄」や第5番「運命」、第9番「合唱」のように激しく闘争的なテーマがないため、とかく安全運転をすれば何とかなると思われがちですが、それはとんでもない間違いです。演奏によって曲の魅力や本質が語りはじめたりする場合もあれば、失われたりするケースも少なくありません。とにかく油断できない作品なのです。

　演奏でまずお薦めしたいのは、カール・ベームがウィーンフィルを振った1976年の録音(グラモフォン)です。この作品の根底にある格調の高さを最も歪みなく表現しています。金管楽器、ティンパニ等の生々しい響きはもちろん、ウィーンフィルの持ち味である柔らかさに迫力を付け加えた充実度満点の演奏です。

　ブルーノ・ワルターがコロンビア交響楽団を振った1958年の演奏（CBS）はさわやかで個々の楽器の味わいを最大限に曲調に生かしたオーソドックスな名演奏です。雄弁で温もりのある響きを生み出しつつも重々しくならないところが素晴らしく、今後も田園のスタンダードナンバーであり続けることでしょう。

　ウィルヘルム・フルトヴェングラーが収録した1952年のウィーンフィルとのスタジオ録音（EMI）も忘れられません。特に第1楽章のスケール雄大で奥行きのある響きの凄さ！　フルトヴェングラーは楽しいとか爽やかなイメージには決してとらわれていないのです。

　自分のスタイルを崩さず正攻法で押し通し、曲の本質を逸脱しないフルトヴェングラーの表現力には舌を巻きます。そのためあらゆる部分から瞑想や祈りが彷彿とされ、ベートーヴェンの音楽の懐の大きさを改めて実感するのです。

　セルジュ・チェリビダッケが指揮するミュンヘンフィルとの演奏（EMI）は超スローテンポの個性的な演奏です。しかし、「田園」の場合はそれが曲の持ち味とマッチしているため違和感がありません。フルトヴェングラーの時と同じように、曲の大きさがそれを救っているのですが、雰囲気も満点で楽器の響きの彫りの深さや奥行きのある表現が最高です。

ドビュッシー バラード（スラヴ風バラード）

切なさと無邪気さが

同居する

詩的な作品

　ドビュッシーはショパンのピアノ作品に多大な影響を受けたようです。

後期の傑作「前奏曲」や「練習曲」はその最たるものですね。しかし、決して模倣にはなっておらず、その音楽はドビュッシーでしか書けないオリジナリティあふれる作品と言えるでしょう。

　さて、ドビュッシーは実はバラードも書いています。バラードと言ってもショパンのように主題がドラマチックに変化する音楽とはちょっと違います。

　これはドビュッシーが自分のスタイルを確立する以前の作品のため、ドビュッシーの音楽技法に馴染んでいる方にはちょっともの足らなく感じるかもしれませんね……。

　しかし、他のピアノ音楽にはない詩的な情感やノスタルジックな曲調が素晴らしく、まるで絵本のショートストーリーを覗いたような優しい気持ちになるのです。

　普段、クラシック音楽を聴いたことがない人やドビュッシーの音楽は苦手だと思っている人にとっては案外この曲は耳にも心にも優しいかもしれませんね……。

　冒頭の序奏の部分でピアノのおさらいのようにテーマのイメージを浮かび上がらせたり、繰り返す部分から始まるのですが、これがとても印象的です。そして、ちょっぴり哀愁が漂うテーマが奏されると、俄然、曲は切なさと無邪気さが同居する様々な情景の中をさまよい歩くようになるのです。

　これを聴くとドビュッシーという人は何てロマンチストで詩人なんだろう思わずにはいられません……。

待望の演奏

ベロフの真摯な

音楽づくり

　この作品は小品であるのですが、演奏は大変に難しく、またドビュッシー独特のしっとりとした情感や繊細な詩情を出せるピアニストも意外に少ないため、なかなか録音には恵まれてきませんでした。

　そのような中で、ワルター・ギーゼキングが1955年に遺した演奏（EMI）はピアノに心が乗り移ったかのような名演奏でしたが、録音が古くやや雰囲気に乏しいのが残念でした。

　しかし、ミシェル・ベロフがデジタル録音したCD（DENON）はそのような不満を見事に解消してくれました。ベロフは実にセンス満点な音楽づくりをしており、色彩豊かにこの曲を表現しています。それは時に発色のよい透明水彩のかすれやにじみのように多彩な表情を醸し出し酔わせてくれます。その繊細な音色の心にしみること……。何という演奏でしょうか。

フェルメール 「天文学者」

職人的な絵の完成度が

醸し出す感動

　今年開催されているルーブル美術館展（東京展は終了。現在、京都展を開催中～９月27日）でレンブラントの絵と同様に大きな話題を提供しているのが、ポスターやチラシにも使用されているフェルメールの「天文学者ｌでしょう。

　この絵は一時ナチスが所有していたという暗い過去もあり、そういった面でも話題を呼びましたが、絵は掛け値なしに名作中の名作です。

　フェルメールの絵を引き合いに出す時、必ずといっていいほど比較されるのが同じ時代、同じオランダ出身の画家として活躍したレンブラントでしょう。

　今さら言うまでもなく、レンブラント、フェルメール共に美術史に大きな足跡を残した巨匠ですが、二人の絵を見ると感動の質はかなり違います。何が違うのかというとレンブラントの絵が総じて精神的な広がりからくる感動であるのに比べ、フェルメールの絵は職人的な絵の完成度の高さが醸し出す感動なのです。

　フェルメールのそのような特徴はこの「天文学者」にも顕著に現れています。これはただただ上手いと唸るしかない絵といってもいいでしょう。絵全体を覆う柔らかい光や落ちついた色調に魅せられますし、静寂感漂う室内の空気は一体何と表現したらいいのでしょうか！　まるで時の流れが止まってしまったかのような感覚が伝わってくるではありませんか……。

　それはフェルメール自身が心のフィルターでキャッチした原像を心の眼に忠実に描いた結果なのであり、モチーフの本質を深く認識することによって生まれる時間と空間の一致点でもあるのです。

エルガー ヴァイオリン協奏曲

隠れた名曲

エルガーのヴァイオリン協奏曲

　エルガーは19世紀後半から20世紀前半に活躍したイギリスの作曲家ですが、一般的によく知られているのは「愛の挨拶」や「威風堂々」などの比較的コンパクトにまとまった作品と言えるでしょう。その一方で２曲の交響曲やチェロ協奏曲、オラトリオ「ゲロンティアスの夢」などの熟成された音楽の充実度や魅力は格別で、すでに大作曲家の領域にあったと言っても過言ではありません。

　ヴァイオリン協奏曲はそのようなエルガー特有の雄弁な管弦楽と繊細な表情とが成熟した味わいとひとつとなった魅力あふれる傑作です。

　第1楽章の哀愁に満ちた濃厚なロマンは絶えず自分の内面を見つめる深さがあり、忘れられない印象を届けてくれます。第2楽章は牧歌的な主題を中心に繰り広げられる地味で渋い音楽なのですが、ヴァイオリンが奏でる懐かしい情緒と崇高な祈りが次第に心を満たしていきます。第3楽章の毅然とした管弦楽の響きとヴァイオリンの音色がぶつかりあう表情がアグレッシブな感動を巻き起こしていく様はどうでしょう！

　しかし、名曲チェロ協奏曲に似た曲調を持ち、充実した内容を誇るこの作品がチェロ協奏曲に比べるといまだにマイナーなイメージが拭えないのは何故なのでしょうか？　それは３楽章構成の協奏曲としては異例の長さを持つ作品のため(通して演奏すると約45～50分位)、この作品に挑戦するヴァイオリニストが少なかったことが挙げられるでしょう。また、第1楽章に多々見られるように意外に超絶的な技巧を要する箇所が多いため、集中力を切らさず演奏するのが至難の業なのです。

　

ケネディとラトルが

魅せた名演奏！

　この作品は上記のような理由のため意外にレコーディングが少なく、往年のヴァイオリニストでもハイフェッツやメニューイン、イダ・ヘンデル以外にはめぼしい演奏がありませんでした。

　しかし、1997年に録音されたケネディ（ヴァイオリン）、サイモン・ラトル指揮バーミンガム市立交響楽団（EMI）の演奏はこれまでの不満を一気に吹き飛ばすような名演奏です。特にケネディのヴァイオリンの表情はこの曲にピッタリで、エルガーが表現しようとした感情の高まりや繊細な表情、ロマンチックな情感等があふれるように表現されています。ラトルの指揮もヴァイオリンをしっかりとサポートしつつエルガーの音楽を雄弁に打ち出しています！

　ケネディはこの曲を得意にしているらしく、1985年にもヴァーノン・ハンドリー指揮ロンドン・フィルハーモニー管弦楽団（EMI）と録音しています。こちらのほうもなかなかの名演奏ですが、やはり表現の幅が一枚も二枚も深みを増し、好サポートを得た1997年盤こそ最高の名演奏といえるでしょう！

国立新美術館 「マグリット展」

深層心理に強く呼びかける

非日常的な絵

 現在、東京・六本木の国立新美術館で「マグリット展」が開催されています。マグリットの日本での公開は13年ぶりとのこと。マグリットと言われても「誰それ？」って感じで、多くの方はピンとこないかもしれません、

　でも、代表作「空の鳥」でモスグリーンのバックに空の表情が写し出された鳥の絵を描いた人といえば、ピンとくる方もきっと多いのではないでしょうか。マグリットが描いた独特の非日常的な絵は、私たちの深層心理に強く呼びかけますし、様々なメッセージを投げかけていきます。

　 彼はそもそもグラフィックデザイナーとして生計を立てていた人で、作品を見ると気まぐれではなく、伝えるということに関しての明確なテーマや首尾一貫した主張が強く感じられるのです。

 マグリットの絵は一般的な絵の概念とは違いますが、この展示会は少し違った観点からきっとあなたに絵画の面白さを再認識させてくれることでしょう！

マグリット展

公式サイト　http://magritte2015.jp

■東京展

開催期間：2015年3月25日(水)～6月29日(月)

開館時間：10:00～18:00

　　　　　※入場は、閉館の30分前まで。

休館日　：火曜日

会場　　：国立新美術館 企画展示室2階

住所　　：東京都港区六本木7-22-2

観覧料　：一般 1,600円(1,400円)、大学生 1,200円(1,000円)、

           　　高校生 800円(600円)、中学生以下 無料

　　　　　※障がい者手帳持参および付き添い1名は、無料。

■京都展

開催期間：2015年7月11日(土)～10月12日(月・祝)

会場　　：京都市美術館

ルノワール 「シャルパンティエ夫人と子どもたち」

家族を描いた

幸福感に満ちた名画

家族を描いた名画というのは美術の歴史を紐解いても意外に少ないものです。そもそも芸術的な深さとか、絵で革新的なスタイルを探求するということは家族の幸福なイメージを描くこととは相容れない何かがあるようです…。まずもってモデルになった家族の一人一人が描かれた絵を気に入らない限り、絵としては成立しないのですから……。

　しかし例外もあります。その代表例がここで紹介するオーギュスト・ルノワールの「シャルパンティエ夫人と子どもたち」です。この絵は印象派展やルノワールの個展が開催されると必ずと言っていいほど、ポストカードやポスター等の販売アイテムになったりします。それだけ絵柄としても表情としても申し分ない作品だからなのでしょう。

　ルノワールといえば、色彩の独特の発色の美しさや豊満で輝くような肌色をした人物画を描いた画家としてもあまりにも有名ですね。この絵は後年ほどの特徴は明確には表れていませんが、彼の持ち味である温かく美しい色調と見事な構図がバランス良く溶けあった代表作と言っても過言ではありません。

　夫人はこの絵を大変気に入ったということですが、それはそうでしょう!　子供たちの愛らしく生き生きとした表情、それを優しく見守る夫人の姿は、考え得る限りの最高のシチュエーションですし、何より愛情を持って見つめ、描かれていることが画面からひしひしと伝わってくるのです。この絵の満ち足りた雰囲気を見る限り、よほどシャルパンティエ家とルノワールの信頼関係は厚かったのでしょう。

　三角形の安定感のある構図も見事ですが、何より柔らかで温かみのある色調と家庭的な和やかな雰囲気に魅了されます。

モーツァルト 交響曲第41番「ジュピター」ハ長調K.551（2）

「キチッと正装したフォーマルスタイル」の

モーツァルトの交響曲

　モーツァルトにとって交響曲は彼の作品の中でどのような位置づけだったのでしょうか? ベートーヴェンの場合だったら交響曲は最重要なジャンルと考えて間違いありません。第3「英雄」、第5「運命」、第6「田園」、第9のような歴史的傑作をはじめとして、彼が作曲した9つの交響曲は西洋音楽史を語る上で絶対に外せない交響曲ばかりですね！　

　モーツァルトの交響曲は全部で41曲と言われています。この中には初期のセレナーデのようなあっさりとした形式の物もあれば、後年の形式・内容ともに充実した作品に至るまで様々です。ただし、よく知られた交響曲となると25番、29番、35番、36番、38番、39番、40番、41番あたりに限定されることでしょう。それ以外の作品は演奏会で採りあげられることも稀ですし、知っている人も少ないのではないでしょうか……。

　また、モーツァルトファンの中には「彼の音楽の真骨頂はオペラだよ」とおっしゃる方も少なくありません。確かに『フィガロの結婚』、『魔笛』、『ドン・ジョバンニ』、『コジ・ファン・トゥッテ』等の人物描写は卓越していますし、まるで劇中から登場人物が抜け出してきそうな音楽的な魅力とリアリティに溢れています。それはモーツァルトのインスピレーションが冴えに冴え、生き生きとした感性が縦横無尽に発揮されているからなのでしょう。

　　それではモーツァルトの交響曲の魅力とは何でしょうか?

　以前このブログで「彼の交響曲はプライベートなカジュアルスタイルではなく、キチッと正装したフォーマルスタイル」と表現したことがありました。モーツァルトにとって交響曲とはオペラや協奏曲、管弦楽曲とは少々違った特別な領域だったのです。それはザルツブルクやウィーンの聴衆に向けて正統的な作品を作ろうという意識の表れだったのかもしれません。

　とは言うものの、晩年の交響曲はモーツァルトが本当に書きたい音楽だけを書いたと言ってもいいでしょう。特に40番ト短調と41番「ジュピター」は天才的な技巧・音楽性が高い芸術性と結びついて誕生した空前の傑作です！

　41番「ジュピター」が作られた頃はモーツァルトが生涯で最も辛く苦しい時代だったとも言われています。しかし音楽の完成度、精神性の高さはそんなことを一変に忘れさせてしまうのです。

屈強で揺るぎない第1楽章

天上の調べを映すフィナーレ

　この交響曲の偉大なところは、まず第1に内容がはち切れんばかりに盛り沢山なのにもかかわらず、音楽の流れが遮断されることなく展開され、しかも造形が一切崩れていないことでしょう！　そして第2にどこもかしこも澄み切った精神や深い人生の意味が音楽として表現されていることですね。一音一音の持つ意味が非常に神秘的で深いです！第4楽章のフーガを「奇跡だ」という音楽学者の方は大勢いらっしゃいますが、この交響曲はすべての楽章が奇跡だと評してもおかしくないくらいです！

　たとえば、第一楽章の印象的な三連打のリズムで開始される第一主題ですが、何と堂々とした足どりと確信に満ちたテーマでしょうか！ しかも屈強で揺るぎない前進する力に溢れたこの楽章は悲しみや苦悩といったさまざまな人間感情と共存しながら、それらを受け容れる大きな度量も備えているのです！

　第2楽章アンダンテは歌うような旋律を基調としています。しかし、その彩りは大変に翳りが濃く、人生の秋がひたひたと伝わってくるようです。

　第3楽章メヌエットは非常にシンプルで大胆な和声によって構成されています。第4楽章へと続く重要な橋渡し的役割を果たす楽章ですが、もちろんそれだけではありません。緊張感に満ち、充分に力強く宇宙的な拡がりを持った主題が印象的ですね。

　第4楽章フィナーレは間然すべきところがない驚くべき音楽です！まるで宇宙意志に貫かれているのでは……と思うくらい、対位法の素晴らしさや主題の展開と発展が音楽に広々とした空間を生み出していきます！　特に中間部で弦楽器とオーボエ、クラリネット、ホルンらが交わす付点のリズムと下降音型によって生まれるその独特の空間の拡がりは天上の調べを感じますね。ここは音階のリズムやバランスがちょっとでも崩れると奇妙な音楽になってしまう危険性をはらんでいるので、よほどモーツァルトの精神と肉体は研ぎ澄まされた高い境地にあったのでしょう！

圧倒的な感動を約束してくれる

カザルスが遺した名演奏！

　第4楽章の奇跡のフーガ、第1楽章の引き締まった造形、第3楽章の形而上的なメヌエットとくれば、ともすれば形の立派さだけが鼻についてしまうのがこの交響曲演奏の最大の盲点であり難しさでしょう。ワルター、トスカニーニ、クレンペラー、カラヤン、バーンスタイン、クーベリック、最近ではラトル、ブリュッヘン、アーノンクール、インマゼールらの素晴らしい演奏がありますが、でもこれらが絶対か……と言われれば何かもう一つ食い足りない感じがして仕方ないのです。

　しかしこの作品から深い意味と感動を伝えてくれる演奏もあることはあります。その代表格がパブロ・カザルス＝マールボロ祝祭管弦楽団のライブ演奏です。カザルスの演奏は温かな人間味を感じさせ、モーツァルトが伝えたかったメッセージがどの楽章からもひしひしと伝わってくるのです。

　「ジュピター」では出だしから気迫みなぎる音に圧倒されます。第1楽章の怒涛のように押し寄せる感情の波は苦しみを乗り越えるべく必死にあえでいるかのようですし、第2楽章の深い呼吸で奏されるカンタビーレは魂の鎮魂歌のような趣さえも湛えていきます。第3楽章の緊張感と自在感に満ちた表現や第4楽章のなりふり構わず前進する演奏の凄さ。これはカザルスが残したベストパフォーマンスの一つと言えるでしょう！

　カール・ベーム指揮ベルリンフィルハーモニーの演奏もオーソドックスですが、安定した響きと強固な造形感覚は安心して聴くことが出来ます。フィナーレのフーガの音響的な迫力や威力はカザルス以上かも知れません。

　カール・シューリヒト指揮パリオペラ座管弦楽団の演奏は個性的で、第1楽章のテンポは早すぎるほどですし、せかせかした感じが否めません。しかし、第4楽章フィナーレの翳りの濃い響きはとても味わい深く、壮麗な「ジュピター」の別の魅力を教えてくれた忘れ難い演奏です。