ドビュッシー ベルガマスク組曲（２）

ドビュッシーでしか作れない
透明なハーモニー、
色彩のニュアンス

 　ドビュッシーの初期の名曲といえば、何と言っても『ベルガマスク組曲』を外すわけにはいきません……。この作品の素晴らしいところは何度聴いても飽きない豊かなポエジーと自然な情感が音楽として息づいているところでしょう。

　もちろん、ベートーヴェンのような精神的な音のドラマとは無縁ですし、モーツァルトのような流麗なソナタ形式で書かれているわけでもありません。

　また、『ベルガマスク組曲』はドビュッシーが音楽スタイルを確立する以前の作品ということで、「先人たちや大作曲家からの影響が濃い作品だ」と言われたり、後年の傑作『前奏曲』や『映像』、『版画』と比べると軽視される傾向があるように思います。
　しかし、その音楽はまぎれもなくドビュッシーでしか作れないもので、透明なハーモニー、色彩的なニュアンスや洗練された音色の効果は抜群で、聴けば聴くほどに味わいが増すのも事実なのです。

さまざまな情感を映し出す
詩情豊かな音楽

　まずプレリュードの自由でとらわれのない旋律が生み出す光と影のコントラスト、そして透明な色彩のハーモニー！何という詩的な情感の美しさであり、感覚的な冴えでしょうか。

　第2楽章メヌエットの洗練されたリズムやメロディは優しく頬を撫でる風のように心地よく、聴いているうちに懐かしい子守歌のようにさえ響いてくるではありませんか……。
　有名な第3楽章「月の光」は優雅で繊細、そして哀しみを堪えて綴られるメロディにひたひたと切なさがつのってきます。
　第4楽章パスピエも神秘的な色調の音に隠れる何とも言えないエレガントな旋律の魅力に心惹かれます。そして、全編を通じて主題や展開部のつなぎの音のさり気ないセンスの良さがますますイメージを広げてくれるのです。

フランス人ピアニストが
奏でる音色の魅力

　演奏が素晴らしいのはミシェル・ベロフ（DENON）が収録した録音です。まずプレリュードから音色の柔らかさと自然なフレージングに惹きつけられます。それは全編に渡って言えることで、センス満点の表現と無理なく作品の本質を引き出した音楽性は見事です。
　パスカル・ロジェ（Onyx）の演奏もほぼ同様の事が言えるのですが、ベロフ以上にフランス的なエスプリが効いています。表現のメリハリを求める方にとってはやや物足りなく感じるかもしれませんが、フランス人作曲家ドビュッシーを聴きたい方にとってはファーストチョイスになるのでしょうか……。
　心ゆくまでメロディや雰囲気を味わいたい方にとってはモニク・アース盤（エラート）がいいかもしれません。決してあせらず急がず、魅惑のメロディを女性的なデリカシーと格調高い表現で豊かに謳い上げています。

「メアリー・カサット展」

《眠たい子どもを沐浴させる母親》

1880年　油彩・カンヴァス、ロサンゼルス郡立美術館蔵

日本で35年ぶりに開催される

懐かしい展覧会

　この人の展覧会が日本で開催されるのは35年ぶりだそうですね。

　私はその35年前の展覧会をしっかりと覚えています。実をいうと、カサットという女流画家を知ったのはこの時が初めてでした。

　東京・新宿の伊勢丹デパートの特設会場で開催されたのですが、テレビや新聞等の宣伝効果もあったのか大変な盛況ぶりでした。特に女性でしか描けないような優しさと柔和な表情の母子像は絶品と言えるでしょう。描画スタイルが変わろうとも描かれる絵に嫌味がなく、多くの人に愛されるのは生来の愛情豊かで気品あふれる人柄が作風として生きているからなのかもしれません。

　あれから35年、あの時と比べるとこの人の展覧会をめぐる周囲はずっと静かですが、印象派におけるカサットの存在は少しずつ大きくなっているような気がします。

 この機会にメアリー・カサットという人が画家としてだけでなく、女性として、母として、社会人として何を思い、どのように考えてきたのかを100点あまりの作品を鑑賞しながら、その世界に想いを馳せるのも悪くないでしょうし、味わい深いことかもしれませんね……。

【開催概要】

「メアリー・カサット展」

■横浜美術館

住　　所：神奈川県横浜市西区みなとみらい3-4-1

開催期間：2016年6月25日(土)～2016年9月11日(日)

開館時間：10:00～18:00 ※入館は閉館の30分前まで。

休館日　：木曜日 ※8/11を除く。

入場料　：一般1,600円(1,400円)、大学・高校生 1,100円(900円)、

　　　　中学生 600円(400円)、小学生以下無料

　　　　※( )内は前売り/20名以上の団体料金(要事前予約)

■京都国立近代美術館

住　　所：京都府京都市左京区岡崎円勝寺町

開催期間：2016年9月27日(火)～2016年12月4日(日)

開館時間：9:30～17:00 ※入館は閉館の30分前まで。

休館日　：月曜日 ※ただし、10/10(月・祝)は開館。

入場料　：一般1,500円(1,300円)、大学生 1,100円(900円)、

              高校生 600円(400円)

　　　　※( )内は前売り/20名以上の団体料金

　　　　※中学生以下、心身に障がいのある方とその付添者1名は無料(要証明)

　　　　※本展の入場券でコレクション展も観覧可能

【問い合わせ先】

横浜美術館　　　　　TEL：045-221-0300

京都国立近代美術館　TEL：075-761-4411

シューマン 『森の情景』

愛のまなざしと詩的な描写

　シューマンといえば、なんといっても歌曲！

　『リーダークライス』、『ミルテの花』、『女の愛と生涯』、『詩人の恋』に代表される麗しい作品の数々は多くの歌手たちの憧れの的です。しかもこの珠玉のような作品群が同じ年に誕生した（1840年は実際に歌曲の年と言われている）というのは本当に驚きですね！

　歌曲の次にあげられるのはやはりピアノ曲でしょう。

　ピアノ曲では『クライスレリアーナ』や『幻想曲』のようにロマンチックなインスピレーションによって創作された作品が多いのですが、『子供の情景』のように子供を見つめる愛のまなざしを詩的に描写した作品も捨てがたい魅力があります。その『子供の情景』と同じような詩的な描写とスタイルで作曲されたのが『森の情景』です。

　ただし、『子供の情景』の幸福感に満ちた情緒とは対照的に、こちらはどちらというと黄昏にたたずむ人の切なさやわびしさのようなものがテーマになっているようです。叙情的ではあるけれども、一抹の寂寥感や幻想的な雰囲気が漂うところもこの曲を独特の色調に染め上げているといっていいでしょう。

多彩で味が濃い

『森の情景』

　私は音楽としては『子供の情景』よりも『森の情景』のほうに惹かれますね！　夢のようなロマン、人生の憂愁や孤独、そして無邪気な心……。テーマや旋律にしても、『子供の情景』よりずっと地味ですが、味が濃く、多彩な変化があって、シューマン独特のポエジーな世界も顔を覗かせながら、人生という尺度の中でショートストーリーのように展開されていくのです！

　特に第4曲の『予言の鳥』は付点のリズムを中心に、半音階のメロディが奏でる独特の音色が幻想的な別世界を想わせ、一度聴いたら忘れられないほどに心に深く刻み込まれることでしょう。かと思えば、『気味の悪い場所』での心の闇を想わせる切迫した心境は何ともやるせない気持ちになります。

　しかし、優しく愛情に満ちたまなざしも随所に現れます。

　一曲目の『森の入口』は見知らぬ世界へと足を踏み入れようとする期待と不安が入り混じった複雑な感覚を優しいまなざしで描いていきます。

　最終曲『別れ』は再出発を想わせる主題が希望の道筋をなだらかに描いていくようです。シューマンはこの短いフレーズで、自分自身の再起への気持ちも込めたかったのでしょうか……。後ろ髪をひかれるように過去への回想や叙情的なロマンが絡まりつつ曲を閉じます。雨上がりのような澄み切ったなつかしい情緒が辺りを照らしていくのがとても印象的です。

　これはシューマンの素直な感性やデリカシーがいっぱいに詰まった音楽絵本と言ってもいいかもしれません。

魅力作にもかかわらず

録音には恵まれず

　シューマンが比較的晩年に作曲した魅力作なのですが、録音にはあまり恵まれていません。

　演奏で最初に感動を受けたのはクリストフ・エッシェンバッハ盤（グラモフォン）でした。とにかく一音一音に表情が変化するデリケートな音色と感性の深さにはため息が出ますし、タッチのみずみずしさに魅了されます。エッシェンバッハはシューマンの伝えたかったロマンチシズムをそのごとく伝えきった詩人なのかもしれません。

　しかし、ご紹介したセットCDではどういうわけか4曲のみの抜粋盤になっています。もちろん音楽としては決定的に物足りないし、残念な状況なのですが、とりあえず貴重な記録として（何とか再販してほしいですね……）とりあげたいと思います。

　シプリアン・カツァリス（テルデック）はすべてにおいてクリアーなタッチと明確な表現が特徴で、シューマンの幻想的なムードやロマンチシズムを味わいたいという人には向かないかもしれません。でも、多くの名盤が廃盤の状況の中で、こんなにストレートな表現にもかかわらず、曲の魅力を自然に伝える技量と音楽性はやはり大したものです。

デューラー 『芝草』

草花に宿る

強い生命のエネルギー

　デューラーの『芝草』は有名な水彩画ですが、一般的によくある植物画とはちょっと違います。

　何が違うのかと言えば、線のタッチや、構図の取り方、色彩表現等が奇抜なわけではありません。ご覧の通り、表現方法は至ってシンプルですし、グイグイと正攻法で推した描画好きにはたまらないアカデミックの頂点とも言うべき絵なのです。

　かといって、シャルダンやドガの花の絵のように見て美しいわけではありません……。しかし、特別なことをしていないはずのに小宇宙を想わせるような存在感は圧倒的ですし、私たちに向かってそれぞれの草花が何かを語りかけてくるような気がします。　

　この絵を見ると草花は確かに呼吸をしていて、程度の差こそあれ人間のように様々な感情を持っているのではないかと思えてくるから不思議ですね……。　

　『芝草』はデューラーの明確で強い表現意図が感じられる絵です。それはおそらく草花に宿る強い生命のエネルギーや神秘を表現することだったのでしょう。それこそ一本一本の草花に神経が行き届き、血が通うその姿は、まさしく生命のエネルギーを放射するかのようで、私たちの心を掻き立ててやまないのです！

ポール・マザースキー 『ハリーとトント』

ロードムービーの傑作

　こういう映画って、撮れそうでなかなか撮れないのではないのでしょうか?

　仮に内容がネタバレしたとしても、この映画の良さは見ないことにはわからないでしょう。

　妻に先立たれ、ニューヨークのアパートで愛猫トントと暮らす年金暮らしのハリーが、区画整理で立ち退きを命ぜられたことから始まる様々な人々との出会いや交流を描いたロードムービーです。

　この映画のタイトルからすると猫のトントが主役級の扱いなのかと思ってしまいかねません。でも決してそうではなく、トントはハリーの思いがけない動向を左右する重要なキーパーソン（キーキャット?）になっているのです。

　たとえば娘のいるシカゴに向かう時、飛行機の手荷物検査がハリーには耐えられず、飛行機を断念してバスに乗り込みますが、バスの中でもハプニングが起きてしまい結局は途中で降りるようになってしまいます。でもこのことが様々な人との出会いを呼ぶことになるのですが……。

　成功の要因は一にも二にもハリーを演じるアート・カーニーの巧さでしょう。大らかで、決して上目づかいにものを言ったり、人を否定することなどしない。あくまでも人の話をよく聞き、忠告を素直に受け入れ、場を和ませる人柄と言ったら……。家族や出会った人々とのやりとりからそれがしみじみと伝わってくるのです。

　配役の設定もあるかもしれませんが、とにかくいい味を出しています。少しも気負ったところがなく、あくまでも自然体の演技なのです。できればこんなふうに年をとりたいものですね……。

シリアスな現実を

ユーモアとキャラクターの

魅力で包み込む

　この映画が制作された1970年代当時のアメリカはベトナム戦争で疲弊し、若者たちは心の行き場を失いドラッグに溺れる等、すべてにおいて自信を失った時代でした。

そのような時代を反映するエピソードもちらほらと交えながらも、ハリーからはそれを包み込む人間の大きさと大人の心のゆとりを感じるのです。

　はっとするような美しい場面も随所に現れます。

　たとえば、車を運転しているときに、ひとりごとのように出てくる亡き妻への想いやそれを見つめるトントや優しく包むピアノの調べ……。

　また、数十年ぶりに昔の恋人に会うために訪れた老人ホームで、時間のギャップを埋めるかのように二人で踊るダンスシーン……。いずれも切なさや優しさが込みあげてきて、時が止まったような感じさえする印象的なシーンです。

　シリアスな現実をユーモアとキャラクターの魅力のオブラートで包み込んだ愛すべき作品と言えるでしょう。

バッハ パルティータ第5番ト長調 BWV829

父親、教育者としての

愛に満ちた眼差し

　バッハは誰もが大作曲家として一目置く存在ですが、演奏家としても超一流で鍵盤楽器のスペシャリスト（当時としてはチェンバロがオルガンなのでしょう）、ヴィルトゥオーソとして名を馳せていたそうです。当然、鍵盤楽器のための作品は多く、平均律クラヴィーア曲集やゴルトベルク変奏曲といった有名曲以外にも数多くの名曲が存在します。イギリス組曲、フランス組曲、イタリア協奏曲、インヴェンションとシンフォニア、６つのパルティータはその代表格と言えるでしょう。

　私はバッハのクラヴィーア曲をさほど聴かないのですが、例外的に一曲だけ疲れた時によく耳を傾ける曲があります。それがパルティータ第5番です。

　ここに聴くバッハの良さは一言で言えば、柔和で優しさに満ちていることでしょう。しかも愛らしくきらきらと無垢な輝きを放っているところが何とも言えず魅力的なのです。

　無伴奏ヴァイオリンソナタ&パルティータで厳しく突き放すような精神性の深みを表現したのとはかなり異質な世界です。これはバッハの父親としての優しさ、教育者としての愛に満ちた眼差しがそうさせているのかもしれませんね……。

　特に素晴らしいのは4曲目のサラバンドでしょう。主題にこれといった特徴こそありませんが、力の抜けきった柔和な旋律が次第に深遠な世界を構築していきます。主題が少しずつ形を変えて登場するたびに、様々な感情が交錯しつつ昇華されていく展開は本当に見事です。

　続く第5曲のテンポ・デｨ・ミヌエッタは可愛らしい音の戯れが魅力的ですが、その一音一音に何と豊かな愛に満ちたメッセージが込められていることでしょう……。

　リズミカルで透明な詩情あふれるパスピエも、輝かしく晴れやかなフィナーレのジーグも魅力いっぱいです。

普遍的な魅力を持つ

ピアノの名盤

　この作品の演奏は当然、ピアノかチェンバロのどちらを選ぶかということになるのですが、私は普遍的な意味合いも含めて圧倒的にピアノをお勧めします。風雅があり格調高いのはチェンバロかもしれませんが、表現の幅やより繊細な感情表現が可能なのはピアノではないかと思いますので……。ですからここではピアノ盤のみの推薦ということになってしまいます。チェンバロファンの方、どうか悪しからず！　

　さて、第一にお勧めしたいのはエリック・ハイドシェックのピアノによる演奏です。

　パルティータ第5番は最初の3曲が後半の4曲に比べてやや魅力に乏しい嫌いがあるのですが、ハイドシェックの巧みな演奏はそのような欠点をも忘れさせてくれます。

　まず第3曲のサラバンドの音が何と柔らかく美しいこと！　何気なく気分を変えて弾かれたテーマが無限の余韻と豊かなニュアンスを醸し出してくれます。絶妙なピアノのタッチに加えて、センスあふれる造型やテンポ、リズムがこの曲をバロック音楽の枠や堅苦しさから解放しています。純粋にピアノ作品としての魅力を伝えてくれる演奏と言えるでしょう。

　クラウディオ・アラウの録音（フィリップス）は晩年のアラウの心境がそのごとくに反映された名演です！　中でもサラバンドが言葉には尽くせないほどに素晴らしいですね…。遅めのテンポから繰り広げられる木訥な音は明らかに流麗とか格調高いという言葉とは無縁ですが、テンポやリズム、造型のような音楽上の制約やスタイルが空しく感じられるほど、その表現は心の深奥に迫ってきます。テンポ・デｨ・ミヌエッタも飾らない表現だからこそ、より無垢なメッセージとして伝わってくるのかもしれません！

ヘンデル オラトリオ「テオドーラ」

ストーリー同様に

不遇な運命を辿る

　皆様はヘンデルの晩年のオラトリオ『テオドーラ」をご存知でしょうか？

　『テオドーラ」と言ってもおそらく「馴染みがない」、「聴いたことがない」という方が圧倒的に多いのではないでしょうか。　 確かにストーリーはクリスチャンが迫害を受けて殉教の道を辿るという悲劇的な内容ですし、一般的にはハッピーエンドで終わるオラトリオの常識を覆した作品ということもあって、何とも言えない深刻なムードが漂います。それは一般的になるはずがありませんね………。　実際、初演当時はあまりにも重苦しい内容だという噂が広まって、劇場は閑古鳥が鳴いていたといいます。

　それでは、さっそく全体の大まかなあらすじをあげてみましょう。「時は4世紀、ローマ帝国の支配下にあったシリアの首都アンティオキアが舞台です。ローマの総督ヴァレンスは皇帝ディオクレティアヌス（キリスト教徒に大迫害を行ったことで有名な人物）の誕生日を祝うために、すべての市民にローマの神々へ捧げ物をするように命じます。

　

　しかし、敬虔なキリスト教徒のテオドーラだけは最後まで捧げ物や異教への改宗を拒絶するのでした。結局テオドーラは捕らえられ、彼女には「ローマの男たちの相手をしよ」という屈辱的な刑が宣告されるようになります。テオドーラに密かに想いを寄せ、キリスト教に改宗したローマの士官ディデュムスは友人の伝で牢獄に忍び込み、彼女と衣装を取り替えて逃がしてあげます。その後、テオドーラはディデュムスが処刑されると聞いて、彼の元に戻る決心をするのでした。二人は最後まで信仰を貫き死の道を選ぶのでした…」

驚くべき感性の深さ！

ヘンデル晩年の傑作

　このオラトリオが日本で公演されることは、まず皆無に等しいのですが、ヨーロッパやアメリカでの公演は決して珍しくなく、むしろ個性的な演出や劇的な内容で根強い人気があったりするのです。もちろん、演出に個性的な面白さがあったとしても、肝心の音楽や台本、そして原作に魅力がなければ、どうしようもありません。

　その肝心の音楽だけをとれば、これは稀代の名作と言っていいでしょう!!……。またロバート・ボイルが書いた原作もなかなかの傑作です。

　ヘンデルが作ったオラトリオの中では異色の作品なのですが、不思議と暗く重苦しい気持ちにはなりません。これは円熟した作曲技法の冴えもあるのでしょうが、何よりヘンデルらしい求心力のある明解な音楽づくりに加えて、思慮深く崇高な精神が音楽の中で無理なく共存しているからでしょう。

　特に各幕のポイントに置かれた合唱がどれもこれも素晴らしく、いずれも最高の聴き所を演出してくれます。メリハリのある楽曲と各声部が豊かに溶け合うハーモニーはさぞかし劇場や舞台で聴けば感動的なのではないでしょうか！

　たとえば、第二幕最後の合唱”He saw the lovely youth, death's early prey” は失意と絶望の中にあっても希望と安らぎがさざ波のように広がっていく心境を見事に謳っています！

　アリアも揃って情緒があり、特にテオドーラのアリア""Angels, ever bright and fair"は大らかな叙情性と美しい余韻が最高ですし、第二幕後半のテオドーラとディデュムスのデュエット"To thee, thou glorious son of worth"" もこの世のものとは思えないような悲しみをこらえた美しさが胸に染みます。

　とにかく地味な作品なのですが、音楽は一瞬たりとも間延びしたり、冗長になることはありません。しかも、それぞれのシーンに応じて多様な変化を与えたり、崇高なメッセージを加えるなど…本質を鋭く見つめるヘンデルの眼差しは見事です！

決定的な名盤こそないが

意欲的なクリスティ、アーノンクール盤

　演奏は数々ありますが、これは凄い！と言えるような名盤は現時点ではありません。それだけ演奏が困難を極めるということなのでしょう……。

　今のところ最も安心して聴けるのはクリスティ指揮レザール・フロリンサン（エラート）でしょう。合唱の声部のキメの細かさや透明感のあるハーモニーが心地良いし、何よりクリスティの指揮がツボにはまっているため、それぞれのシーンが重々しくならず聴き疲れがしません。

　ソリストではテオドーラのソフィー・ダヌマンが美しく潤いのある声で華があり、全体にわたって癒やしを与えてくれます。

　一方、アーノンクール指揮ウイーン・コンツェントゥス・ムジクスおよびアーノルド・シェーンベルク合唱団（テルデック）はとことん作品の本質に迫ろうとした名演です。　

　アーノンクール盤は歌手たちが切々と訴えるように歌っているのが特徴で、特にテオドーラのロバータ・アレクサンダーは高潔な表情や心からの表現が大変心打ちますが、人によっては切々とした感情の吐露がうっとうしく感じてしまうかもしれません。これはアーノンクールの指揮にも言えることで、曲の本質を極限まで表現しようとしているためでやむを得ないことなのでしょう……。

　マクリーシュ指揮ガブリエルコンソート&プレイヤーズ{アルヒーフ）は合唱、指揮、ソリストたちのアリア等すべてにわたって理想的で、実に音楽的に優れています！演奏や歌唱に大きなうねりや個性的なテンポ、リズムがないので、『テオドーラ』をこれから聴きたい方にはうってつけかもしれません。